Die Soldaten de Bernd Alois Zimmermann

Revue Contrechamps N° spécial
Collection: Revue
Parution: septembre 1988
Papier
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)
ISBN: 9782940599080

Les Soldats occupent une place centrale dans l’oeuvre de Bernd Alois Zimmermann. La partie qui fut écrite entre 1958 et 1960 forme la synthèse et l’aboutissement de son évolution depuis ses débuts: l’utilisation stricte mais relativement simple de la technique sérielle y est liée à celle de formes musicales traditionnelles comme la toccata, le ricercare ou la chaconne, à des emprunts au jazz et à des citations.

Textes de Bernd Alois Zimmermann
et Reinhold Lenz.
Études de Philippe Albèra,
Klaus Ebbeke, Laurence Helleu,
Markus Spiess, Jean-Michel Rabaté
et Jakob Michael.

Revue Contrechamps/Musica 88/
Dernières Nouvelles d’Alsace, 1988
Format : 22 × 24 cm
196 pages

Theodor W. Adorno

Figures sonores

Ecrits musicaux I
Collection: Classique
Papier
23 CHF (23 €)
ISBN: 9782940068227
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599363

Les douze essais qui composent les Figures sonores [Klangfiguren] de Theodor W. Adorno datent, à une exception près, de la fin des années cinquante. Ils forment une vaste constellation d’approches du phénomène musical contemporain : la réflexion sur une sociologie de la musique, aussitôt appliquée à la question de l’opéra, à celle du public, et à l’interprétation, croise une réflexion esthétique s’interrogeant sur ses propres critères et une tentative de penser les éléments techniques de la composition, comme ceux de la série ou du contrepoint. Deux essais sur Berg et Webern tracent un portrait, de l’intérieur, des deux compositeurs. Cet ouvrage est traversé par une profondeur de vue qui, liée à une connaissance intime des oeuvres, des problématiques compositionnelles et de leurs enjeux historiques, est extrêmement stimulante pour l’esprit.

Traduit de l’allemand
par Marianne Rocher-Jacquin,
avec la collaboration
de Claude Maillard
2006
Format : 14 × 22,2 cm
208 pages
ISBN 978-2-940068-22-7
23 € / CHF

Theodor W. Adorno

Introduction à la sociologie de la musique

Douze conférences théoriques
Collection: Classique
Papier
26 CHF (26 €)
ISBN: 9782940068357
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599431

Dans Introduction à la sociologie de la musique, écrit au début des années 1960, Theodor W. Adorno cumule les expériences, les observations et les intuitions d’une vie entière, au long de laquelle la musique tint un rôle capital, indissociable de la réflexion philosophique plus générale. Mais la force de cet ouvrage, l’un des grands classiques de la musicologie du XXe siècle, tient également dans sa dimension visionnaire, d’une portée aujourd’hui encore tout à fait singulière. En effet, à l’heure où la sphère musicale, dans son ensemble, est de plus en plus soumise aux conditions de production de masse et aux impératifs médiatiques, les analyses développées ici révèlent plus que jamais leur pertinence. La démarche adornienne ne se limite pas à décrire sous quelles formes et dans quelles conditions la musique est reçue dans la société. Elle s’attache plutôt – et c’est son originalité profonde – à déceler le contenu intrinsèquement social des œuvres et des genres musicaux. De plus, débordant le cadre strictement musical, l’ouvrage d’Adorno s’ouvre constamment vers les horizons d’une philosophie cri-tique de la culture. «La dimension sociale des œuvres d’art n’est pas seulement leur adaptation aux desiderata externes des commanditaires ou du marché, mais constitue précisément leur autonomie et leur logique immanente.»

Traduit de l’allemand par
Vincent Barras et Carlo Russi

Ouvrage traduit avec le concours
du Centre national du livre, Paris

Nouvelle édition revue
2009
Format : 14 × 22,2 cm
224 pages
ISBN 978-2-940068-35-7
26 € / CHF

Theodor W. Adorno

Moments musicaux

Collection: Classique
Papier
22 CHF (22 €)
ISBN: 9782940068197
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599295

Les différents essais regroupés par Adorno lui-même sous le titre schubertien de « Moments musicaux » appartiennent à des époques très différentes : certains sont des écrits de jeunesse datant de la fin des années vingt et des années trente ; d’autres ont été écrits après la guerre, jusqu’au plus récent publié au début des années soixante. Ils témoignent de l’évolution d’Adorno dans son effort pour articuler la réflexion philosophique et une approche sociologique de la musique à la logique interne des oeuvres.
Les sujets traités sont extrêmement divers : Schubert, le style tardif de Beethoven, Le Freichütz de Weber, Les Contes d’Hoffmann d’Offenbach, Parsifal de Wagner, mais aussi le jazz, le Quintette à vents de Schoenberg, le Mahagonny de Kurt Weill, Krenek, le rapport entre progrès et réaction, etc. Adorno y déploie une pensée engagée, liée à la musique de son temps, mais dans laquelle le passé demeure un enjeu.
Martin Kaltenecker, traducteur de cet ouvrage qu’il a également annoté, propose en fin de volume un commentaire développé et approfondi dans lequel il replace les problématiques abordées dans Moments musicaux à l’intérieur du contexte général de la pensée d’Adorno.

Traduction et postface
de Martin Kaltenecker
2003
Format : 14 × 22,2 cm
216 pages
ISBN 978-2-940068-19-7
(2-940068-19-4)
22 € / CHF

Philippe Albèra

Entretiens avec Claude Helffer

Collection: Classique
Papier
18 CHF (18 €)
ISBN: 9782940068043
eBook
11 CHF (8.99 €)
ISBN: 9782940599202

Claude Helffer (1922-2004) fait partie de ces interprètes d’exception qui accompagnent et suscitent la création, témoins actifs d’une époque et médiateurs privilégiés entre les compositeurs et le public. Élève de Robert Casadesus (pour le piano) et de René Leibowitz (pour l’écriture), diplômé de l’École Polytechnique, engagé dans les combats de son temps comme dans les différents mouvements de la création musicale, Claude Helffer a mené une grande carrière de soliste, sans négliger les ensembles de musique contemporaine (il participa à l’aventure du Domaine Musical dès ses débuts) ni la musique de chambre. Il a créé un grand nombre d’oeuvres, certaines ayant été composées à son intention, et il est devenu l’interprète de prédilection de certains compositeurs comme Boulez ou Xenakis.
Il retrace ici sa trajectoire, livrant ses convictions et ses souvenirs, développant sa conception de l’enseignement, parlant des compositeurs qu’il a fréquentés, racontant son travail avec des chefs illustres. C’est à la fois le portrait d’un musicien inspiré, passionné, généreux, et celui d’une époque foisonnante qu’il a marquée de sa personnalité.
Ce livre contient une bibliographie, une discographie et une liste des oeuvres dédiées à Claude Helffer.

Ouvrage publié avec l’aide
de la Fondation des Treilles
1995
Format : 14 × 22,2 cm
160 pages
16 illustrations (noir et couleur)
ISBN 978-2-940068-04-3
(2-940068-04-6)
18 € / CHF

Philippe Albèra

Le parti pris des sons

Sur la musique de Stefano Gervasoni
Collection: Classique
Papier
28 CHF (28 €)
ISBN: 9782940068487
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599561

Né en 1962, Stefano Gervasoni s’est imposé comme l’un des plus remarquables compositeurs de sa génération. Sa musique, rigoureuse et originale, s’est développée de façon très homogène. Elle conjugue l’exploration de mondes nouveaux avec une relation forte à la tradition.
Avec ce livre, l’un des premiers consacrés à un compositeur de la génération née dans les années 1960, Philippe Albèra s’attache à confronter la musicologie aux problèmes contemporains. L’étude se veut engagée, subjective et réflexive, en dialogue avec une oeuvre qui représente notre époque tout en lui opposant une résistance d’ordre poétique.
L’auteur fait apparaître la rigueur et l’originalité de la musique de Stefano Gervasoni, la continuité de son développement, comme sa position à l’écart de tout mouvement et de tout mot d’ordre. Il dévoile les significations encloses dans les oeuvres, où se jouent des questions éthiques qui posent la question de la responsabilité du compositeur. Il souligne aussi son dialogue soutenu avec la poésie et avec la tradition, qui inclut la confrontation avec certains idiomes populaires.

2015
Format : 14 × 22,2 cm
518 pages
ISBN 978-2-940068-48-7
28 € / CHF

Philippe Albèra

Le son et le sens

Essais sur la musique de notre temps
Collection: Classique
Papier
32 CHF (32 €)
ISBN: 9782940068319
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599400

Parallèlement à son activité au sein de Contrechamps, dont il a été le fondateur et le directeur artistique durant près de trente années, et à un travail d’enseignant au sein des conservatoires de musique, Philippe Albèra a écrit de nombreux textes sur la musique du xxe siècle, sous la forme d’essais, de portraits de compositeurs, de textes de circonstance, ou d’introduction aux programmes de concerts. C’est un choix de ces écrits qui est ici publié. Des études sur les enjeux et la situation de la musique actuelle, sur l’influence des musiques extra-européennes, ou sur les théories d’Ansermet, côtoient des portraits de compositeurs marquants (Ives, Schoenberg, Bartók, Zimmermann, Boulez, Berio, Nono, Kurtág, Holliger, Lachenmann, Nunes, Gervasoni, Jarrell, etc.), et des réflexions sur différentes oeuvres. Ces textes, par leur souci de replacer le phénomène musical à l’intérieur d’un contexte historique et d’idées, s’adressent plus encore qu’au spécialiste à l’amateur éclairé ; ils évitent le jargon musical au profit d’une réflexion esthétique approfondie, soucieuse du contenu de la musique de notre temps.

Coup de coeur de l’Académie
Charles-Cros 2008
2008
Format : 14 × 22,2 cm
592 pages
ISBN 978-2-940068-31-9
32 € / CHF

Philippe Albèra

Un sentiment d'urgence

Contrechamps, Archipel et la musique contemporaine. Entretiens avec Alfredo Descalzi
Collection: autre éditeur
Papier
22 CHF (22 €)
ISBN: 9782940462131

Publié aux Editions La BaconnièreArts, « Un sentiment d’Urgence » retrace l’aventure de Contrechamps et plus généralement de la musique contemporaine à Genève à travers le regard de son fondateur, Philippe Albèra. Dans cette série d’entretiens avec Alfredo Descalzi, Philippe Albèra raconte l’histoire des mouvements artistiques alternatifs nés à Genève après 1968, et la façon dont ils ont transformé le paysage culturel de cette ville. Il évoque sans complaisance les combats menés pour faire vivre la musique de notre temps, à travers l’organisation de concerts, la conception des programmes, la création d’un Ensemble et d’une maison d’édition, mais aussi de multiples formes de médiation. Ce livre est aussi une réflexion sur la musique elle-même, ses conditions de réalisation, sa situation dans la société d’aujourd’hui et sa transmission à travers l’enseignement ou l’écriture. Ce livre a été publié à l’occasion des quarante ans de Contrechamps.

Éditions La BaconnièreArts, Genève
2016
Format : 17,2 × 23 cm
288 pages
ISBN 978-2-940462-13-1
22 € / CHF

Béla Bartók

Écrits

Collection: Classique
Papier
28 CHF (28 €)
ISBN: 9782940068272
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599370

Les écrits de Béla Bartók (1881-1945), réunis ici pour la première fois dans leur quasi-intégralité en français, abordent de nombreux thèmes: les orientations de la musique nouvelle, la démarche de compositeurs contemporains comme Strauss, Debussy, Schoenberg, Stravinsky, Ravel ou Kodály, la spécificité de la situation hongroise, la présentation de ses propres œuvres, mais aussi les relations entre musique populaire et musique savante, la questions de l’atonalité ou celle de la musique mécanique, les problèmes soulevés par le nationalisme et les théories raciales, les rapports de l’art et de l’État… Dans un style sobre et précis, Bartók défend des positions intransigeantes, parfois virulentes, et qui vont toujours droit à l’essentiel, qu’il s’agisse d’essais développés, de prises de position polémiques, ou de critiques musicales comme celles qui témoignent de la situation en Hongrie dans les années 1920. Les Conférences de Harvard, traduites ici pour la première fois en français, constituent une synthèse hélas inachevée de son esthétique.

Extrait et table des matières

Édités par Philippe Albèra
et Peter Szendy
Traduits et annotés par Peter Szendy

Ouvrage traduit avec le soutien
de la Fondation Leenaards

2006
Format : 14 × 22,2 cm
344 + 20 pages
ISBN 978-2-940068-27-2
28 € / CHF

Luciano Berio

Entretiens avec Rossana Dalmonte

Écrits choisis
Collection: Classique
Papier
20 CHF (20 €)
ISBN: 9782940068401
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599455

À travers ses entretiens avec Rossana Dalmonte et ses essais sur la musique, Luciano Berio (1925-2004) fait apparaître la profondeur d’une pensée qui s’est développée en toute indépendance et qui embrasse la totalité des formes musicales, au-delà des oppositions entre l’ancien et le nouveau, le savant et le populaire, la musique avant-gardiste et la musique de masse. C’est que Berio vise moins la dimension théorique en soi, se méfiant des formulations trop rigides ou des positions fondées sur des a priori idéologiques, qu’il n’accompagne son travail de compositeur d’une réflexion en actes, puisant à des sources telles que l’anthropologie, l’ethnomusicologie, la linguistique ou la musicologie. Sa lecture des œuvres et des différentes musiques abordées se fait toujours de l’intérieur, mais sans jamais oublier que la musique est un fait social. Elle est parfois violemment critique, voire polémique, mais toujours éclairante, grâce à son ampleur et à sa justesse. Dans ses entretiens avec Rossana Dalmonte, qui constituent une introduction idéale à sa musique, Berio livre sa pensée et parle de ses œuvres. Ses essais traitent de la relation du texte et de la musique, d’une écriture vocale renouvelée, de la question du sérialisme, du geste… Comme l’indique Martin Kaltenecker, traducteur des entretiens, les textes ici rassemblés constituent un document essentiel pour l’histoire de la musique du XXe siècle.

Extrait et table des matières

Traduits par Martin Kaltenecker,
Vincent Barras, Jacques Demierre, Francesca Filo della Torre
et Marie-Charlotte Guillaume
2010
Format : 14 × 22,2 cm
192 pages
Nombreux exemples musicaux
ISBN 978-2-940068-40-1
20 € / CHF

Luciano Berio

Luciano Berio

Revue Contrechamps N°1
Collection: Revue
Parution: janvier 1983
Papier
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)

Il n’y avait pas de revue consacrée à la musique de notre siècle. Aussi avons-nous décidé de créer un espace où l’on puisse rassembler les connaissances, susciter les réflexions et provoquer les échanges à son sujet. Les écrits des compositeurs ont en effet gardé, dans le monde francophone, une audience confidentielle, et les études critiques sont rares. Les idées qui sous-tendent les grandes aventures de l’art contemporain sortent peu des ateliers d’artistes, le code de l’écriture musicale étant, de surcroît, un obstacle pour ceux qui n’ont pas eu la chances de l’assimiler. La création qui nous met en jeu, qui est un moyen d’appréhender le réel au delà des apparences, peut-elle rester confinée au cercle restreint des « spécialistes » et des curieux ? Notre société ne saurait-elle plus réfléchir sur ses propres expériences, fussent-elles bouleversantes ? N’aurait-elle plus le goût du regard critique qu’au contact d’un passé souvent idéalisé ?

Textes de Luciano Berio et Edoardo Sanguineti.
Etudes de Rossana Dalmonte, Niva Lorenzini, Davi Osmond-Smith, Philippe Albèra et Jacques Demierre

Format: 15,5 x 22,5 cm
204 pages

Version papier : épuisé
Ebook : 4,99 CHF/EUR > acheter

Jean-François Boukobza György Ligeti

György Ligeti - Etudes pour piano

Collection: Poche
Parution: octobre 2019
Papier
12 CHF (12 €)
ISBN: 9782940068586

György Ligeti (1923-2006) est l’un des compositeurs majeurs de l’après-guerre, ou tout simplement, l’un des plus grands compositeurs de l’histoire de la musique. Sa série d’études pour le piano fut composée durant toute la dernière période de son activité créatrice. Dans son extrême diversité au niveau poétique aussi bien que technique, et par ses exigences de virtuosité, c’est un monument de l’écriture moderne pour le piano. S’y fondent des influences diverses qui vont de la grande littérature pianistique jusqu’au jazz en passant par les musiques africaines, asiatiques et caribéennes. L’approche de l’instrument est ainsi totalement renouvelée. Le livre de Jean-François Boukobza, le premier consacré à cette œuvre majeure du compositeur hongrois, présente les Études pour piano dans une triple perspective esthétique, analytique et prospective.

Edité par Philippe Albèra
Contrechamps Poche
Genève, Octobre 2019
Format : 11 x 18 cm
264 pages
12 euros / frs
ISBN : 978-2-940068-58-6

Pierre BOULEZ

Pierre Boulez, techniques d’écriture et enjeux esthétiques

Collection: Classique
Papier
35 CHF (35 €)
ISBN: 9782940068258
eBook
12 CHF (9.99 €)

Dans cet ouvrage collectif placé sous la direction de Jean-Louis Leleu et Pascal Decroupet, la musique de Pierre Boulez est approchée de façon à la fois analytique et esthétique : l’approche rigoureuse du langage musical conduit à des réflexions sur ses enjeux.
Les différents auteurs nous font entrer dans l’atelier du compositeur, éclairant ses procédés d’élaboration, les mutations d’une oeuvre à l’autre, l’évolution de sa pensée, les projets inaboutis et certains éléments qui l’ont influencé. Sont étudiées en détail des pièces comme le Livre pour quatuor, Le Marteau sans maître, la Troisième Sonate pour piano, Figures, Doubles, Prismes, Éclat/Multiples ou Rituel, mais aussi des pièces retirées. Il s’agit de contributions originales qui apportent une somme d’informations nouvelles et décisives pour la compréhension d’une pensée musicale ayant marqué en profondeur les cinquante dernières années.
Pour qu’ils soient plus lisibles et plus faciles à consulter, les exemples musicaux et les fac-similés des manuscrits de Boulez ont été gravés sur le CD-ROM joint.
Ce livre, qui comporte des informations tout à fait nouvelles sur les méthodes de composition de Pierre Boulez et une approche des oeuvres fondée sur l’analyse des partitions, marque ainsi un pas décisif dans l’étude du langage d’un des plus importants compositeurs de notre époque.

Édité par Jean-Louis Leleu
et Pascal Decroupet

Ouvrage réalisé dans le cadre
des activités du RITM Université
de Nice – Sophia Antipolis

2006
Format : 14 × 22,2 cm
328 pages, avec CD ROM
des exemples musicaux et
des fac-similés des manuscrits
ISBN 978-2-940068-25-8
35 € / CHF

Pierre BOULEZ

Pli selon pli de Pierre Boulez

Entretien et études
Collection: Classique
Papier
17 CHF (17 €)
ISBN: 9782940068234
eBook
11 CHF (8.99 €)

Les oeuvres et les idées de Mallarmé ont joué un rôle majeur dans l’évolution de Pierre Boulez : fasciné par son poème intitulé Un coup de dés, qu’il envisagea de mettre en musique à la fin des années 1940, il fut influencé par sa conception du Livre pour sa Troisième Sonate et pour Pli selon pli, qui se présente comme un « portrait de Mallarmé ». Cette dernière oeuvre, objet du présent livre, apparaît comme l’aboutissement d’une première période créatrice. Parallèlement, Boulez poursuivait une réflexion théorique qui culmina, au même moment, avec son ouvrage Penser la musique aujourd’hui.
Les auteurs de ce livre sont tous d’éminents spécialistes de la musique de Boulez : Pascal Decroupet, Robert Piencikovski, Peter O’Hagan, Luisa Bassetto, Philippe Albèra. Ils abordent les différents aspects de cette oeuvre majeure du répertoire contemporain, ainsi que la place qu’occupe la réflexion théorique chez Boulez. Un texte sur les rapports de Mallarmé avec la musique complète cet ouvrage, qui s’ouvre sur un entretien inédit avec Pierre Boulez.

Édité par Philippe Albèra
2003
Format : 14 × 22,2 cm
112 pages, 12 planches hors-texte
ISBN 978-2-940068-23-4
(2-940068-23-2)
17 € / CHF

John Cage

Journal

Comment rendre le monde meilleur (on ne fait qu’aggraver les choses)
Collection: Classique
Papier
37.80 CHF (27 €)
ISBN: 9782970030071

John Cage présente ainsi ce Journal, précisant le sous-titre qu’il lui a donné : « Avant Noël, je suis allé voir ma mère qui vit dans une maison de santé (elle a eu une attaque cardiaque il y a deux jours qui l’a rendue impotente). Je lui ai dit que j’avais écrit trois textes pour rendre le monde meilleur Elle a dit : « John ! Comment oses-tu ? Tu devrais avoir honte ! » Puis elle a ajouté : « Tu me surprends. » Je lui ai demandé si, connaissant l’état dans lequel était le monde, elle ne croyait pas qu’il y avait lieu de le rendre meilleur. Elle a dit : « Oui, certainement. Ça tombe sous le sens ».
Le Journal se compose de huit parties qui couvrent différentes périodes de la vie du compositeur, entre 1965 et 1982. En 1991, Cage en donna une lecture qui fut enregistrée puis éditée sous forme de huit CD. Le Journal dépasse de très loin le cadre musical, accumulant les anecdotes et les récits philosophiques, et il s’adresse avec finesse et ironie au lecteur.
Comme dans Silence, la disposition typographique fait partie du texte lui-même, et elle a été ici respectée à la lettre.

Traduction de Christophe Marchand-Kiss, avec le concours
du Centre National du Livre, Paris

Coédition Contrechamps
et Héros-Limite, avec le soutien
de l’association Roaratorio.

2003
Format : 17 × 20 cm
152 pages
ISBN : 978-2-970030-07-1
27 € / 37,80 CHF

John Cage

Silence

Conférences et écrits
Collection: Classique
Papier
40 CHF (28 €)
ISBN: 9782940358939

Silence est le premier recueil de textes que John Cage a publié, et c’est le plus important sur le plan théorique d’un compositeur qui a marqué la musique de l’après-guerre en profondeur. Daté de 1968, il regroupe les conférences et les articles qui sont à l’origine de sa pensée. Celle-ci puise aux sources dadaïstes, à la pensée zen, à l’esprit anarchiste, multipliant les points de vue iconoclastes, retournant les idées reçues, ouvrant des perspectives nouvelles, dans une forme inventive qui défie la logique ordinaire. John Cage travaille sur la césure, la discontinuité, la juxtaposition de propos hétérogènes, selon les principes du collage.
La mise en page et la typographie font partie d’un tel dispositif : les blancs, l’organisation de l’espace, le choix des caractères contribuent au sens et donnent à la lecture son rythme propre. Comme dans une partition musicale, il s’agit pour le compositeur d’introduire des indications liées au phrasé, à la respiration, à la vitesse, à l’intensité.
Dans cette édition de Silence, ces dispositions typographiques différentes pour chaque texte ont été scrupuleusement respectées; de même, la traduction de Vincent Barras se tient au plus près du texte original, visant la plus grande précision possible.

Co-édité par Heros-Limite

Traduction de Vincent Barras
Nouvelle édition revue et corrigée. Coédition Contrechamps
et Héros-Limite
2017
Format : 17 × 20 cm
280 pages
ISBN : 978-2-940358-93-9
28 € / 40 CHF

Elliott Carter Allen Edwards Charles Rosen Heinz Holliger

Entretiens avec Elliott Carter

Collection: Classique
Papier
13 CHF (13 €)
ISBN: 9782940068029
eBook
8 CHF (6.49 €)

Né en 1908, Elliott Carter doit sa vocation de compositeur à son intérêt pour la musique moderne dans les années 1920. Dans ses entretiens avec Allen Edwards, il évoque de nombreux souvenirs rattachés à sa période de formation, décrivant aussi bien la vie artistique du New York des années vingt que le climat très particulier du Paris des années trente, les figures de Charles Ives, Edgard Varèse, Nadia Boulanger ou George Balanchine, et celles de ses collègues Aaron Copland ou Roger Sessions. Il y explique aussi sa manière de travailler, clarifiant les principaux aspects de sa pensée musicale, et décrivant la genèse de certaines de ses oeuvres. Avec Charles Rosen et Heinz Holliger, Carter développe de passionnantes réflexions sur son travail de compositeur.
Ces entretiens sont non seulement une source précieuse d’informations sur le compositeur et sur son oeuvre, mais aussi une excellente introduction à sa musique.

Traductions de Suzanne Rollier,
Carlo Russi et Daniel Haefliger
Ouvrage publié avec l’aide
du Festival Archipel, Genève
1992
Format : 14 × 22,2 cm
112 pages
ISBN 978-2-940068-02-9
(2-940068-02-X)
13 € / CHF

Elliott Carter

La Dimension du temps

Seize essais sur la musique
Collection: Classique
Papier
15 CHF (15 €)
ISBN: 9782940068135
eBook
9 CHF (7.49 €)
ISBN: 9782940599257

À travers une activité critique qui a commencé en 1937 dans la revue Modern Music, et qui fut consacrée quasi exclusivement à la musique contemporaine, Elliott Carter n’a cessé de réfléchir aux questions fondamentales de la composition et de l’esthétique musicales. Par ses appréciations sur les œuvres entendues en création, ses hommages à des compositeurs comme Stravinsky, Varèse, Ives ou Wolpe, qu’il a bien connus, et ses essais sur le rythme et le temps musical, Carter se situe de façon originale par rapport aux différents mouvements de la musique moderne : les avant-gardes américaine et européenne de la première partie du siècle, le néo-classicisme et le populisme américain des années vingt à quarante, les musiques sérielles et aléatoires de l’après-guerre. Cette traversée de l’histoire est aussi une tentative de définir sa propre position en tant que compositeur américain; au-delà de la «couleur locale», il cherche à penser la tradition américaine en relation avec les mouvements novateurs européens, critiquant au passage le conservatisme institutionnel de son pays. Les écrits d’Elliott Carter éclairent par ailleurs une démarche créatrice d’une richesse et d’une profondeur exceptionnelles, déployée sur une durée exceptionnellement longue. Ce choix d’écrits paraît à l’occasion de son quatre-vingt-dixième anniversaire, en signe d’hommage et de reconnaissance.

Extrait et table des matières

Édité par P. Albèra et V. Barras.
Traduit de l’anglais par
V. Barras, D. Caillat, J. Demierre, C.Russi et J. T. Tuttle Jr.

1998
Format : 14 × 22,2 cm
216 pages
Nombreux exemples musicaux
ISBN 978-2-940068-13-5
(2-940068-13-5)
15 € / CHF

Collectif

« Entre Denges et Denezy »

La musique du XXe siècle en Suisse, manuscrits et documents
Collection: Classique
Papier
48 CHF (48 €)
ISBN: 9782940068180

Cet ouvrage richement illustré présente les multiples aspects de la vie musicale en Suisse au xxe siècle. Les compositeurs qui y sont nés, depuis Honegger ou Frank Martin jusqu’à Jarrell, Skrzypczak ou Furrer, en passant par Huber, Holliger, Kelterborn, Wildberger ou Lehmann, y côtoient ceux qui s’y sont réfugiés, comme Stravinski, Bartók, Scherchen ou Adolf Busch. L’étude des différentes tendances esthétiques, avec des témoignages provenant des compositeurs eux-mêmes, croise celle des institutions et des personnalités qui leurs sont liées : l’action de Paul Sacher à Bâle, aussi bien dans le domaine de la musique ancienne que dans celui de la musique contemporaine (avec notamment les cours de Boulez, Stockhausen et Pousseur dans les années 1960), la politique des radios, celle d’Ernest Ansermet à Genève ou de Hermann Scherchen à Winterthour, le rôle des Fêtes populaires, etc. La richesse des nombreuses contributions, qui s’appuient sur des manuscrits et des documents originaux, reproduits dans l’ouvrage, permet de retracer un moment de l’histoire musicale européenne vue à travers l’activité d’un pays où se sont écrites des pages essentielles et où se sont joués tous les conflits du siècle.

Édité par Ulrich Mosch,
en collaboration avec Matthias Kassel
Fondation Paul Sacher à Bâle
et Contrechamps
2001
Format : 22,2 × 28,7 cm
480 pages
Nombreuses illustrations
(noir et couleur)
ISBN 978-2-940068-18-0
(2-940068-18-6)
48 € / CHF

Collectif

Avant-garde et tradition

Revue Contrechamps N°3
Collection: Revue
Parution: juin 1984

Dans les différents domaines de l’activité artistique, et dans la musique en particulier, le terme d’avant-garde ne jouit plus d’une grande considération. Il a paru progressivement dévalué, à la fois dans les travaux critiques de ces dernières années, et dans les propos tenus par les compositeurs eux-mêmes. Il a disparu au profit de termes tels que « post-modernisme », « néoromantisme », « nouvelle simplicité », « nouvelle intelligibilité », qui témoignent d’une réaction que l’on observe aussi dans la pensée en général. Simple mouvement de balancier dû au changement de génération, ou incapacité à définir l’art autrement que par rapport à des modèles temporels normatifs, comme le suggère Jean Clair ? Il semble que la question du rapport à la tradition soit aujourd’hui redevenue centrale pour la création : non pas comme prise de position esthétique, programmatique, polémique, mais dans la dimension concrète des liens entre le compositeur et les institutions musicales, et dans l’écriture elle-même. Les termes cités plus haut rendent alors mal compte de la réalité : ils la simplifient exagérément, donnant l’illusion d’un ordre là où règne une multiplicité de choix individuels, souvent complexes et ambigus. Dans quelle mesure une telle terminologie introduit-elle des a-prioris idéologiques qui faussent l’approche concrète des œuvres ? Nous pourrions dire en effet avec Kagel que « c’est l’arsenal des concepts historico-musicaux communément utilisés qui a influencé la composition des œuvres (non le contraire, donc), car les musiciens s’identifiaient rapidement et très volontiers à une notion d’« école », même si une telle identification ou typisation trop facile n’était pas du tout conforme à leur esprit. ».

No 3, 1984
Format : 15,5 × 22,5 cm
141 pages

Collectif

Composition et perception

Revue Contrechamps N°10
Collection: Revue
Parution: janvier 1989
Papier
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)

La disparition des « systèmes » universels, dans la pensée et dans les arts, ainsi que la connaissance de plus en plus approfondie des diverses cultures non européennes, ont provoqué la multiplication des codes relatifs et éphémères, liés à une personnalité ou à un groupe, et sans cesse remis en question. Les compositeurs, au cours du vingtième siècle, n’ont cessé de repenser les relations complexes du matériau et du langage, de la construction et de l’intuition, des systèmes conçus et des systèmes perçus, de la tradition et de l’expérimentation… Comment peut-on appréhender une oeuvre qui ne s’inscrit pas dans un code reconnu ? Peut-elle seule instaurer un ordre perceptible et signifiant? Faut-il partir, comme Fred Lerdahl, à la recherche d’universaux, ou considérer, avec François Nicolas, que la dissociation entre l’écriture et la perception est irrémédiable ? Est-ce une question qu’il faut résoudre par l’analyse technique ou par la réflexion philosophique, comme le tentent Lev Koblyakov, Marcelle Guertin, Anthony Newcomb et Erwin Laszlo, ou faut-il faire appel à la psychologie expérimentale, comme le suggère, par ses travaux, Irène Deliège ? L’oeuvre, nous rappellent toutefois Jean-Jacques Nattiez, Pierre-Michel Menger et Jürg Stenzl, ne peut être détachée de son contexte historico-idéologique; elle nécessite une approche sociologique, mais libérée de certains modèles trop réducteurs. Enfin, ne faut-il pas élargir notre champ de vision, relativiser nos critères d’appréhension en les confrontant, comme le fait Simha Arom, aux musiques d’autres civilisations ? Ces textes ont été lus, dans une première version, lors d’un symposium organisé par Contrechamps et l’Université de Genève en mars 1987. Retravaillés par leurs auteurs, ils sont tous inédits. Une discussion réunissant l’ensemble des protagonistes clôt ce volume.

Étienne Darbellay,
Anthony Newcomb,
Fred Lerdahl, François Nicolas,
Marcelle Guertin, Irène Deliège,
Abdessadek El Ahmadi,
Erwin Laszlo, Jürg Stenzl,
Jean-Jacques Nattiez,
Pierre-Michel Menger, Simha Arom
et Lev Koblyakov.

No 10, 1989
Format : 15,5 × 22,5 cm
232 pages

Collectif

Musique en création

Écrits et entretiens avec 21 compositeurs
Collection: Classique
Papier
15 CHF (15 €)
ISBN: 9782940068104
eBook
10 CHF (7.49 €)

La situation de la musique actuelle est faite de la coexistence des tendances les plus diverses ; la multiplication des enjeux les plus contradictoires rend impossible toute synthèse. Par ailleurs, la place de la création dans la société et dans le contexte intellectuel de la fin du siècle oscille entre reconnaissance institutionnelle et indifférence. Dans une telle situation, la parole des compositeurs, dans sa diversité et sa spontanéité, est de la plus grande importance. Elle est la source première, faisant apparaître le contexte d’idées, de représentations et de sensibilités à l’intérieur duquel sont nées les oeuvres.
Les textes et les entretiens publiés ici permettent à la fois d’entrer dans l’atelier de la création et reflètent la diversité des approches, des références, et des points de vue. On y retrouve plusieurs générations de compositeurs qui ont marqué leur temps, que ce soit à travers l’expérience sérielle, la recherche électroacoustique, le théâtre musical ou la musique répétitive.
Ce panorama de la création musicale, édité à l’origine en 1989 avec le Festival d’Automne à Paris, a été republié à l’occasion des vingt ans de Contrechamps.

Édité par Philippe Albèra
Introduction de Philippe Albèra.
Traductions de Carlo Russi,
Jacques Demierre, Marilène Raiola,
C. Caspar, C. Fernandez
et Serge Grunberg
1997
Format : 14 × 22,2 cm
192 pages
ISBN 978-2-940068-10-4
(2-940068-10-0)
15 € / CHF

Collectif

Musiques électroniques

Revue Contrechamps N°11
Collection: Revue
Parution: janvier 1990
Papier
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)

Les moyens électroniques ont profondément modifié la pratique et la pensée musicale de la seconde moitié du xxe siècle. Ils apparaissent à la fois comme un renouvellement du matériau et comme une remise en question des techniques d’écriture traditionnelles. Autant les musiques pop et rock se sont rapidement adaptées au marché, utilisant le matériel standardisé fourni par l’industrie de l’électronique, autant les musiques « savantes », liées aux instituts de recherche, n’ont cessé de développer, depuis l’époque héroïque de la musique concrète et de l’elektronische Musik, des outils nouveaux qui impliquent des critères compositionnels adéquats. Dans ce numéro, musicologues et compositeurs abordent les musiques électroniques sous différents angles : réflexion historique, classification de la nouvelle lutherie, rapports entre pensée compositionnelle et matériau nouveau, perception et notation, implication socio-musicale de la technologie nouvelle, rôle de l’électronique dans la musique pop, analyse socio-esthétique, problèmes esthétiques historiques.

Jacques Demierre, Jon Appleton,
Konrad Boehmer, Gerald Bennett,
Hugh Davies, Klaus Ebbeke,
Susumu Shono, Michael Harenberg,
Carl Dahlhaus, Jean-Claude Risset,
Yori-Aki Matsudaïra, Rainer Boesch,
Pablo Ortiz et Philippe Manoury.

No 11, 1990
Format : 15,5 × 22,5 cm
164 pages

Collectif

Musiques nord-américaines

Revue Contrechamps N°6
Collection: Revue
Parution: janvier 1986
Papier
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)

« Happy New Ears ! » Cette exclamation en forme de jeu de mot lancée par John Cage représente l’apport le plus fondamental de la musique nord-américaine de l’après-guerre à la pensée musicale européenne. C’est en effet à un complet renouvellement de l’écoute que nous invitent la presque totalité des compositeurs présents dans ce numéro de Contrechamps. Et qui dit perception nouvelle, dit aussi vision nouvelle du monde, puisque il devient alors essentiel que « la musique dépasse le cadre de l’exécution du concert », et qu’« elle propose immédiatement son expérience à tout être habité par le seul désir de vivre, d’apprendre et de se renouveler ». (…)Avec cette livraison de Contrechamps, nous n’avons pas cherché à offrir un panorama exhaustif de la musique américaine de ce siècle. D’autres sujets, qui mériteraient un large développement à eux seuls, n’ont pas été abordés ici : le jazz, la recherche en informatique musicale, les jeunes compositeurs, certaines individualités marquantes comme Harry Partch… ; en outre, notre prochain numéro sera consacré à l’un des pères spirituels de la musique américaine, Charles Ives, et à quelques-uns de ses contemporains. Nous avons plutôt tenté d’éclairer, à travers les textes présentés ainsi qu’à travers les « collages » — illustrations de notre propre vision de la musique américaine — une situation souvent trop typée, et de montrer comment les rapports entre le Vieux et le Nouveau Monde se sont articulés dans le courant de ce siècle, et s’articulent encore : le jeu des influences alternées devenant source de richesse culturelle.

Textes de Aaron Copland,
Elliott Carter et Steve Reich
Études de Jacques Demierre,
Walter Zimmermann,
Susan Blaustein, Martin Brody,
Monika Fürst-Heidtmann,
Herbert Henck, Pascal Aquien,
Vincent Lajoinie, Vincent Barras,
Charles Rosen, Clytus Gottwald,
Thomas Kellein, Christopher Fox
et Pablo Ortiz.

No 6, 1986
Format : 15,5 × 22,5 cm
198 pages

Collectif

Opéra

Revue Contrechamps N°4
Collection: Revue
Parution: septembre 1984
Papier
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)

Généralement, lorsqu’on parle d’opéra, c’est moins pour débattre de la création d’œuvres nouvelles ou de problèmes esthétiques, que pour soulever les questions que pose l’institution. L’antinomie entre cette institution et la création, développée dans l’article d’Adorno (et ce dans le contexte du début des années soixante), se trouve en filigrane de la plupart des textes de ce numéro, lesquels tentent de définir les possibilités d’un opéra vivant quant à sa forme et sa fonction, par opposition à l’opéra conservateur qui prévaut partout.Il existe, en ce sens, un lien entre Kurt Weill, Luigi Nono, Bernd Alois Zimmermann, Luciano Berio ou Mauricio Kagel, malgré les divergences historiques et esthétiques ; à partir de leurs œuvres et de leurs idées, il serait possible d’envisager un opéra qui ne soit pas limité aux seules normes d’un répertoire figé, aux seules exigences d’un public privilégié. Si nous avons réalisé un petit dossier concernant Kurt Weill, c’est parce que ses textes n’ont jamais été traduits (ses œuvres n’ont fait l’objet d’aucune exégèse en langue française), et parce que l’opéra y est abordé en des termes qui nous semblent exemplaires et toujours actuels. Ils réaparaissent, sous d’autres formes, dans les positions de Zimmermann, Nono, Pousseur ou Berio. Le terme même d’opéra, chez ces auteurs, n’est accepté qu’avec réticence.

Textes de Theodor W. Adorno,
Kurt Weill, Luigi Nono,
Bernd Alois Zimmermann,
Mauricio Kagel, Henri Pousseur,
György Ligeti, Luciano Berio
et Edoardo Sanguineti.
Études de Philippe Albèra,
Giselher Schubert, Jürg Stenzl,
Jacques Demierre, Edna Politi
et Pierre Michel.

No 4, 1984
Format : 15,5 × 22,5 cm
158 pages

Collectif

Poésies sonores

Collection: Classique
Parution: janvier 1993
Papier
ISBN: 2940068003
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)
ISBN: 9782940599189

Les poésies sonores : phénomènes esthétiques nouveaux, peu connus parce que difficilement localisables sur la carte des différents domaines traditionnels de l’art. Pourtant, leur position sur la limite fluctuante et vivante qui définit les genres est idéale, ne serait-ce que pour mieux en souligner les virtualités ou les contradictions latentes. C’est ce qu’affirment avec force les contributions originales ici réunies, déclarations ou manifestes poétiques, analyses littéraires ou musicales, articles historiques, entretiens avec quelques-uns des protagonistes les plus significatifs du moment. Les poésies sonores apparaissent ainsi moins comme genres hybrides, tenant de la poésie et de la musique, que comme foyers de créativité suscitant à la fois un questionnement sur notre tradition et des pratiques artistiques par essence prospectives.

Édité par Vincent Barras et
Nicholas Zurbrugg
Traductions de Thierry Baud,
Vincent Barras, Anne Lavanchy,
Paule Paparou-Laplace,
Dominique Caillat et
Bruno Rudolf von Rohr
Ouvrage publié avec le concours
du Centre National des Lettres
à Paris et du Fonds Rapin à Genève
1993
Format : 14 × 22,2 cm
280 pages
ISBN 2-940068-00-3

 

Collectif

Regards croisés sur Bernd Alois Zimmermann

Actes du colloque de Strasbourg 2010
Collection: Classique
Papier
25 CHF (25 €)
eBook
12 CHF (9.99 €)

Ces Regards croisés sur Bernd Alois Zimmermann offrent pour la première fois en français une série d’études sur la musique de ce musicien majeur de l’après-guerre. Ils ont pour origine le colloque qui s’est tenu à Strasbourg en 2010 dans le cadre du Festival Musica, à l’instigation de l’Université de Strasbourg.
La première partie de ces Regards croisés fait appel aux interprètes : Hans Zender, qui fut un proche du compositeur, souligne son actualité, le chef d’orchestre Peter Hirsch et le violoncelliste Pierre Strauch se penchent sur certaines oeuvres. Dans une deuxième section, Oliver Korte, Pascal Decroupet, Heribert Heinrich et Werner Strinz traitent des questions de langage musical. Dans une troisième section, le théologien Beat Föllmi dévoile le sens profond de l’Action ecclésiastique, oeuvre ultime du compositeur, tandis que Dörte Schmidt et Ulrich Mosch abordent la question du ballet, si importante pour lui. Dans une dernière section, Hans-Peter Hieckel reconsidère la place de Zimmermann aujourd’hui, tandis que Ralph Paland étudie les oeuvres électroacoustiques du compositeur. Enfin, Laurent Feneyrou explore les fondements philosophiques de sa réflexion sur le temps. Un entretien inédit avec la veuve du compositeur clôt cet ouvrage, qui se présente comme le complément des Écrits de Zimmermann publiés en 2010 par les Éditions Contrechamps.

Carl Dahlhaus

Essais sur la nouvelle musique

Collection: Classique
Papier
20 CHF (20 €)
ISBN: 9782940068241
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599318

Ce volume regroupe tous les essais de Carl Dahlhaus sur la Musique Nouvelle publiés entre 1965 et 1971. Ils traitent des problématiques soulevées par la musique de l’après-guerre, sous un angle tantôt technique, tantôt esthétique, tantôt sociologique. Les questions du rythme, du timbre, de la notation, du matériau, de la forme croisent ainsi les concepts d’avant-garde et d’œuvre autonome, les problèmes du sens et du non-sens, de la musique engagée, des genres musicaux… La méthode de ce musicologue aux connaissances encyclopédiques vise à cerner aussi objectivement que possible une notion, une idée, une œuvre ou une tendance tout en les replaçant dans un vaste contexte esthétique et historique. Elle se présente ainsi comme une médiation indispensable entre les œuvres proprement dites, les conceptions qui leur sont liées, et une réception riche de sens. «La réflexion qui s’attache à la musique, ou même à la littérature, n’est aucunement étrangère à la musique: elle en fait partie en tant qu’événement historique, voire en tant qu’objet de perception. Ce qui se perçoit de la musique dépend, en partie, de ce qu’on a lu à son propos».

Extrait et table des matières

Traduit de l’allemand
par Hans Hildenbrand
2004
Format : 14 × 22,2 cm
248 pages
ISBN 978-2-940068-24-1
(2-940068-24-0)
20 € / CHF

Carl Dahlhaus

L'idée de la musique absolue

Une esthétique de la musique romantique
Collection: Classique
Papier
15 CHF (15 €)
ISBN: 9782940068128
eBook
9 CHF (7.49 €)

C’est avec les oeuvres de Haydn, Mozart et Beethoven, qualifiées de « romantiques » par E. T. A. Hoffmann au début du xixe siècle, que la musique instrumentale a supplanté la musique vocale. Ainsi est née, en relation avec l’ensemble des conceptions philosophiques, esthétiques et poétiques du Romantisme, l’idée d’un art musical « autonome », d’une « musique absolue » dont les significations n’étaient plus liées à un texte ou à une fonction. Carl Dahlhaus retrace l’histoire d’un concept qui est au fondement de notre culture musicale, et ce à partir des textes fondateurs de Tieck et Wackenroder, Hoffmann, Herder, Novalis ou Schlegel, jusqu’au symbolisme français de Mallarmé et Valéry, en passant par les réflexions théoriques de Wagner, Schopenhauer, Hegel, Nietzsche et Hanslick. Il souligne ce que cette conception de la musique doit à la quête romantique de l’Absolu, à une métaphysique de l’art où les idées philosophiques et théologiques sont réinterprétées à l’intérieur du médium artistique. Cet ouvrage du musicologue allemand replace les questions musicales dans le mouvement général de la pensée, et éclaire la généalogie de nos idées contemporaines sur l’oeuvre, la forme du concert, et la signification de la musique, idées qui sont devenues, dans bien des cas, une « seconde nature ».

Traduit de l’allemand
par Martin Kaltenecker
Ouvrage publié avec le concours
du Centre National du Livre, Paris
1997, réédition 2006 en fac-similé
Format : 14 × 22,2 cm
160 pages
ISBN 978-2-940068-12-8
(2-940068-12-7)
15 € / CHF

Carl Dahlhaus

Schoenberg

Collection: Classique
Papier
28 CHF (28 €)
ISBN: 9782940068517
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599592

À travers une série d’essais écrits entre 1964 et 1988, Carl Dahlhaus (1928-1989) aborde les différents aspects de l’œuvre et de la pensée d’Arnold Schoenberg. Sa réflexion porte aussi bien sur les dimensions strictement compositionnelles que sur des questions esthétiques. C’est ainsi qu’il s’attache aux notions de « musique à programme », de « variation développante » ou de « prose musicale », comme aux questions liées à l’atonalité et au dodécaphonisme, ainsi qu’aux relations de Schoenberg avec la tradition et aux polémiques qu’il a suscitées. Les textes esthétiques situent le compositeur dans un vaste horizon historique, philosophique et musical. Les analyses font apparaître la cohérence des œuvres en s’attachant avant tout au sens musical. Les concepts et les idées sont inscrits dans une perspective historique, épistémologique et musicale qui en éclaire avec précision la signification. Ces essais, écrits dans une langue à la fois dense et précise, et riches d’un savoir immense, constituent une somme et une référence indispensable. Ce livre qui regroupe tous les essais que Dahlhaus a consacrés à Schoenberg permettent d’approfondir l’œuvre et la pensée d’un compositeur qui a marqué l’histoire de la musique et en a bouleversé le cours.

Extrait et table des matières

Édité par Philippe Albèra
et Vincent Barras

Traductions de V. Barras, E.
et T. Hyvärinen, D. Leveillé et P. Szendy

Ouvrage publié avec le concours
du Centre National du Livre, Paris
2017 (nouvelle édition revue
et corrigée), 1997

Format : 14 × 22,2 cm
352 pages
Nombreux exemples musicaux
ISBN 978-2-940068-51-7
(2-940068-11-9)
28 € / CHF

Laurent Denave

Un siècle de création musicale aux États-Unis

Histoire sociale des productions les plus originales du monde musical américain, de Charles Ives au minimalisme (1890-1990)
Collection: Classique
Papier
25 CHF (25 €)
ISBN: 9782940068418
eBook
12 CHF (9.99 €)

Cette histoire de la musique américaine replace les différents courants et genres musicaux dans leur contexte économique et social. Elle ne se limite pas aux compositeurs, de Charles Ives à John Adams, mais inclut les différentes formes de musique populaire, depuis la chanson engagée jusqu’au jazz, en passant par les comédies musicales de Broadway. Laurent Denave analyse les tensions entre une sphère savante tôt divisée entre des créateurs originaux et des compositeurs conservateurs ou académiques, et une sphère populaire dominée par les critères commerciaux et davantage faite pour le peuple que par lui. Que ces critères commerciaux s’introduisent à l’intérieur de la musique savante, c’est précisément ce que l’auteur montre à travers différents exemples historiques, qui conduisent à la musique répétitive, assimilée ici à la révolution conservatrice qui eut lieu sur le plan politique.
Laurent Denave souligne à quel point le critère de la modernité musicale aux États-Unis est lié à la capacité d’autonomie des compositeurs et comment – à partir de la figure isolée de Charles Ives – cette autonomie a tenté de se structurer socialement à travers différentes institutions, dont l’Université a finalement été l’une des plus importantes. Mais il montre aussi comment cette modernité a été tout au long du siècle aux prises avec les diverses formes de conservatisme et de populisme, ainsi qu’avec les intérêts commerciaux de l’industrie musicale. L’analyse sociologique des conditions mêmes de la musique savante fait apparaître l’exclusion de certaines catégories sociales.

Prix des Muses 2013 :
Mention spéciale
2011
Format : 14 × 22,2 cm
416 pages
ISBN 978-2-940068-41-8
25 € / CHF

Daniel Ender

Métamorphoses du son

La musique de Beat Furrer
Collection: Classique
Papier
25 CHF (25 €)
ISBN: 9782940068555
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599622

Beat Furrer, compositeur suisse installé de longue date en Autriche, est sans doute l’une des figures les plus importantes de la musique actuelle. Révélé au grand public grâce à Claudio Abbado et à la réalisation de plusieurs opéras de conception originale, Furrer a développé un style très personnel, dans lequel l’attention à la vie interne du son et aux frontières entre son et bruit s’inscrit à l’intérieur de constructions formelles extrêmement rigoureuses.

Dans le livre qu’il lui consacre, Daniel Ender suit l’évolution du compositeur, analysant ses oeuvres principales avec finesse et dégageant leurs significations profondes. À travers cette étude remarquable, il fait apparaître l’importance du principe de métamorphose, qui donne son titre à l’ouvrage, et renvoie au fondement même de la pensée musicale de Furrer, ainsi qu’à son imaginaire.

Daniel Ender a fait ses études au Conservatoire et à l’Université de Vienne en étudiant le piano, le chant, la musicologie, la philosophie et la linguistique. Il est aujourd’hui chargé de cours à l’Université de Vienne et l’auteur de nombreux textes sur la musique contemporaine.

Édité par Philippe Albèra
Introduction de Philippe Albèra
Traduit de l’allemand par Catherine Fourcassié

Ouvrage publié avec le concours du Centre National du Livre, Paris, et de la fondation Pro Helvetia, Zurich.

Parution : 7 juin 2019
Format : 14 × 22,2 cm
Pages : 320
ISBN : 978-2-940068-55-5

Brian Ferneyhough

Brian Ferneyhough

Revue Contrechamps N°8
Collection: Revue
Parution: janvier 1988
Papier
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)

Brian Ferneyhouh est l’une des personnalités les plus importantes et les plus fascinantes de la musique actuelle ; c’est aussi l’une des plus difficiles à cerner. Ses œuvres, qui furent révélées vers la fin des années soixante, ne renoncent ni à une expressivité que l’on pourrait presque qualifier de romantique, ni à la complexité d’une élaboration rigoureuse. Elles se situent au-delà des problématiques des années cinquante et soixante, que Ferneyhough a su parfaitement intégrer, tout en s’opposant radicalement aux tendances restauratrices des années soixante-dix. Dans ce volume, Brian Ferneyhough retrace sa propre évolution, commentant chacune de ses œuvres, et s’explique sur leur signification profonde, notamment sur leurs déterminations et leurs implications extra-musicales ; il parle de sa manière de travailler, de la fonction de sa notation, du rôle des interprètes… et il analyse deux de ses œuvres. Différents auteurs posent sur sa musique un regard critique, musicographique, philosophique, ou analytique. Brian Ferneyhough est né à Coventry en 1943. Il y a fait ses études de musique, puis a suivi les cours de composition de Lennox Berkeley à Londres (1964-1967), Ton de Leeuw à Amsterdam (1 968-1 969) et Klaus Huber à Baie (1969). Il a enseigné la composition à Freiburg-im-Breisgau de 1 973 à 1986, ainsi qu’à Darmstadt (cours d’été depuis 1976) et Milan (depuis 1984) ; il a fait de nombreuses lectures, notamment à Helsinki, Glasgow, Arezzo et Dartington. Il travaille aujourd’hui à San Diego en Californie. Parmi ses oeuvres les plus importantes, on compte trois Quatuors à cordes, Transit, le cycle des Carceri d’invenzione, la pièce d’orchestre La Terre est un Homme, et la série des Time and Motion Studies.

No 8, 1988
Format : 15,5 × 22,5 cm
181 pages
Épuisé

Brian Ferneyhough

Univers parallèles

Essais et entretiens sur la musique
Collection: Classique
Papier
28 CHF (28 €)
ISBN: 9782940068531
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599608

Le compositeur anglais Brian Ferneyhough (né en 1943) est l’une des personnalités dominantes de la scène contemporaine depuis les années 1970. Découvert au Festival de Royan, il apparut très rapidement comme le représentant principal de ce que l’on a appelé la  « New Complexity » (nouvelle complexité). Sa musique présente en effet une densité et un degré de formalisation qui se reflètent dans la notation elle-même et qui exige des interprètes une virtuosité aussi bien digitale que mentale. Beaucoup de ses œuvres s’inspirent d’éléments extra-musicaux liés à la nature, à la peinture, à la poésie, à la philosophie ou à la science.
Les textes et les entretiens réunis dans ce volume, auxquels s’ajoutent les analyses que le compositeur a écrites sur ses œuvres, sont inédits ou proviennent de revues aujourd’hui introuvables. L’ensemble de ces textes constitue un document indispensable à l’approche de l’œuvre du compositeur, dont il propose des analyses détaillées tout en éclairant l’arrière-plan esthétique et philosophique. Il se présente aussi comme une réflexion fondamentale sur la musique en général, abordant toutes les questions auxquelles sont confrontés les compositeurs aujourd’hui. En ce sens, il apparaît comme l’une des contributions réflexives les plus importantes après celles de compositeurs tels que Boulez, Stockhausen ou Lachenmann.

Édité par Philippe Albèra
Introduction de Philippe Albèra.
Traductions de Vincent Barras,
Jean-Marie Bergère, Alfredo Descalzi, Martin Kaltenecker, Sook Ji

Ouvrage publié avec le concours
du Centre National du Livre, Paris
et de la Fondation Francis et Mica Salabert, Paris

2018
Format : 14 × 22,2 cm
504 pages
ISBN 978-2-940068-53-1
28 € / CHF

Claude Helffer

Quinze analyses musicales

De Bach à Manoury
Collection: Classique
Papier
17 CHF (17 €)
ISBN: 9782940068142
eBook
11 CHF (8.49 €)

Claude Helffer a non seulement créé de nombreuses oeuvres du répertoire contemporain, il a aussi déployé tout au long de sa carrière une intense activité pédagogique. Ceux, nombreux, qui ont suivi ses cours, gardent le souvenir d’un équilibre rare entre la compétence et l’enthousiasme, la précision et la passion. Ce livre voudrait fixer de tels moments. L’approche de l’instrumentiste, contrairement à celle du musicologue, vise la réalisation pratique ; l’analyse ne constitue pas une fin en soi, mais le moyen d’assimiler l’oeuvre pour en faire une expérience vécue. Ainsi, la mise en évidence d’une structure compositionnelle s’accompagne-t-elle ici de conseils pragmatiques et de considérations plus générales.
Claude Helffer parcourt l’histoire de la musique pour clavier, depuis Johann Sebastian Bach jusqu’à Philippe Manoury, dans un langage simple et vivant, et il donne à la fin quelques conseils pour l’approche d’une oeuvre nouvelle, son « discours de la méthode » en quelque sorte.

Oeuvres analysées :
J. S. Bach, Partita no 2
W. A. Mozart, Sonate K. 311
L. van Beethoven, Sonates op. 10 no 3, op. 109
R. Schumann, Fantaisie op. 17
F. Chopin, Ballade no 4 op. 52
C. Debussy, Images (II)
A.Schoenberg, Trois pièces op. 11, Suite op. 25
A. Webern, Variations op. 27
P. Boulez, Sonates no 1 et 2
K. Stockhausen, Klavierstück IX
P. Manoury, Cryptophonos

Ouvrage publié avec l’aide
de la Fondation des Treilles.
2000, réédition 2006 en fac-similé
Format : 14 × 22,2 cm
224 pages
Nombreux exemples musicaux
ISBN 978-2-940068-14-2
(2-940068-14-3)
17 € / CHF

Heinz Holliger Holliger Maderna Collectif

Bruno Maderna / Heinz Holiger

Revue Contrechamps N° spécial
Collection: Revue
Parution: septembre 1991
Papier
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)
ISBN: 9782940599165

La rencontre de Bruno Maderna et Heinz Holliger dans le programme du Festival d’Automne 1991 n’a pas été préméditée : elle résulte d’une coïncidence. Elle consacre deux musiciens indépendants, qui se sont développés à l’écart des modes, des mots d’ordre et des pensées d’exclusion, deux compositeurs engagés aussi bien musicalement que socialement, deux hommes d’une rare générosité et d’une grande intégrité. On trouve chez l’un comme chez l’autre ce lien essentiel, mais devenu rare, entre l’activité créatrice et la pratique musicale, entre l’idéal et le pragmatisme, chacune reflétant l’autre à sa mesure. Le talent de l’interprète, chez eux, n’a guère rejailli sur l’image du compositeur, qui comporte une dimension plus secrète, plus exigeante aussi. Mais l’esprit du compositeur éclaire d’une lumière différente sa pratique d’exécution : il suffit d’écouter les nombreux témoignages enregistrés de l’art de Maderna, et ceux toujours croissants de Holliger comme chef ou comme hautboïste pour s’en convaincre. Quelque chose nous est restitué de l’essence même des partitions abordées – on voudrait dire, de l’essence même de la musique. Or, la musique n’est-elle pas le domaine où la médiation sociale trahit le plus violemment les idées artistiques, dressant entre le compositeur et son public potentiel des institutions figées qui se nourrissent d’elles-mêmes et qui font ployer les esprits les plus vigoureux ? Cette contradiction entre pensée et communication traverse toute l’expérience de la modernité. Le conflit entre l’individu et une société qui s’adapte de plus en plus vite ne date pas d’hier : sous l’apparence des conciliations superficielles, il surgit avec la plus grande actualité au sein même de notre fin de siècle. Il apparaît au plus profond de l’acte compositionnel dans la dialectique complexe de la subjectivité revendiquée et de la norme imposée. Est-ce un hasard si Maderna et Holliger ont rencontré Hölderlin sur leur chemin, un poète qui plus qu’aucun autre a inscrit cette tension à l’intérieur de toute son œuvre, de sa vie même ?

Textes de Bruno Maderna,
Heinz Holliger, Friedrich Hölderlin
et Nelly Sachs.
Études de Philippe Albèra,
Massimo Mila, George Stone,
Alan Stout, Hermann Scherchen,
Luigi Rognoni, Jean Lefebvre,
Mario Baroni, Peter Eötvös,
Francesca Magnani,
Maurizio Romito,
Giordano Montecchi,
Tiziano Popoli, Peter Szendy
et John E. Jackson.

Revue Contrechamps
Festival d’Automne à Paris, 1991
Format : 22 × 24 cm
160 pages
Épuisé

Heinz Holliger

Textes, entretiens, écrits sur son oeuvre

Collection: Classique
Papier
32 CHF (32 €)
ISBN: 9782940068302
eBook
12 CHF (9.99 €)

Si Heinz Holliger (né en 1939) s’est acquis une réputation mondiale en tant que hautboïste, incitant les plus grands compositeurs de son époque à écrire pour lui et à renouveler ainsi le répertoire de son instrument, son activité de compositeur est restée longtemps mal connue, surtout hors des pays germaniques. Il apparaît toutefois comme l’une des personnalités dominantes de sa génération, son oeuvre, abondante et originale, étant l’une des plus fascinantes de la musique d’aujourd’hui. Dans ce volume, les oeuvres de ses différentes périodes sont étudiées en détail, incluant le grand cycle sur Hölderlin, Scardanelli-Zyklus, et son opéra sur le texte de Robert Walser, Cendrillon. Les études sont signées d’éminents musicologues : Peter Szendy, Roman Brotbeck, Kristina Ericson, Clytus Gottwald, Michel Rigoni et Philippe Albèra. S’y ajoutent quelques textes du compositeur lui-même et un long entretien avec Ph. Albèra. Un catalogue des oeuvres clôt le volume.

Nouvelle édition augmentée
2008
Format : 14 × 22,2 cm
400 pages
Nombreux exemples musicaux
et illustrations
ISBN 978-2-940068-30-2
32 € / CHF

Klaus HUBER

Au nom des opprimés

Ecrits et entretiens
Collection: Classique
Papier
25 CHF (25 €)
ISBN: 9782940068425
eBook
12 CHF (9.99 €)

Dans ses textes, Klaus Huber (né en 1924) s’attache avant tout à clarifier le contenu de ses oeuvres, qui renvoient à des positions éthiques et possèdent une dimension tout à la fois religieuse et politique. Compositeur engagé, Huber refuse en effet la conception de « l’art pour l’art », l’idée de la musique pure. Pour lui, la modernité doit être chargée d’un sens qui dépasse la seule sphère esthétique ; elle est solidaire des plus démunis, dénonçant l’injustice, l’oppression, l’asservissement et la réification. Proche des mystiques ainsi que des tenants de la théologie de la libération, Huber veut provoquer par sa musique une prise de conscience, un retournement. En se solidarisant avec les formes de résistance en Amérique latine ou au Moyen Orient, il a fait la rencontre de figures telles que celles du prêtre et poète nicaraguayen Ernesto Cardenal ou du poète palestinien Mahmoud Darwich, qui lui ont inspiré des oeuvres importantes, mais aussi du poète russe Ossip Mandelstam, auquel il a consacré un opéra. Son intérêt pour la musique arabe, au moment où éclatait la première Guerre du Golfe, l’a conduit à utiliser des échelles avec tiers et quarts de ton et à expérimenter de nouvelles conceptions harmoniques, polyphoniques et formelles. Ce recueil d’écrits comporte un choix d’essais et l’intégralité des notices que le compositeur a écrites sur ses oeuvres, ainsi que deux entretiens et un appareil critique.

Traduit de l’allemand par
V. Barras, M-A. Friedemann,
J. Lasserre et O. Mannoni
Publié avec le soutien de la
Fondation UBS pour la culture
2012
Format : 14 × 22,2 cm
312 pages (illustrations
et exemples musicaux)
ISBN 978-2-940068-42-5
25 € / CHF

Charles Ives

Charles Ives

Revue Contrechamps N°7
Collection: Revue
Parution: janvier 1987
Papier
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)

Il nous paraissait inconcevable de consacrer un numéro à la musique nord-américaine — voir notre précédent numéro — dont la figure « fondatrice » de Charles Ives serait absente ; mais on ne pouvait lui accorder un ou deux articles seulement, alors que la bibliographie française ne dispose d’ aucune référence sur ce musicien qui cessa quasiment de composer après la première guerre. Fallait-il ou non traduire les Essais avant une sonate que Ives rédigea pour accompagner son oeuvre la plus célèbre ? Fallait-il les traduire intégralement, ou se contenter du Prologue et de l’Epilogue, plus directement liés aux problématiques musicales ?Beaucoup de commentateurs ont parlé du caractère brouillon de ces Essais : manque de logique dans la pensée, digressions déroutantes, style parfois obscur, usage très personnel des signes de ponctuation (les tirets, les points-virgule…), etc. Faut-il y ajouter une insistance sur les questions de morale qui date terriblement ? Mais n’était-ce pas trahir ce texte que d’en supprimer des maillons essentiels, ou d’en améliorer le style par la traduction ?

« Essais avant une sonate »
« La musique et son futur »
Avec des études de
Philippe Albèra, Vincent Barras,
André Kaenel, Giselher Schubert,
Wofgang Rathert
et Nachum Schoffman.

No 7, 1987
Format : 15,5 × 22,5 cm
190 pages

Charles E. Ives

Essais avant une sonate et autres textes

Collection: Classique
Papier
18 CHF (18 €)
ISBN: 9782940068494
eBook
11 CHF (8.99 €)
ISBN: 9782940599578

La sonate Concord pour piano, première oeuvre que Ives songea à publier à compte d’auteur en 1920, entend célébrer le mouvement transcendantaliste qui s’était développé au milieu du xixe siècle dans le village de Concord, près de Boston. Pour mieux faire comprendre le projet d’une oeuvre instrumentale « à programme », Ives conçut l’idée d’une préface explicative ; mais celle-ci prit des proportions telles qu’il dut la publier à part, sous le titre d’Essais avant une sonate.
Ce texte majeur du compositeur est un document essentiel pour comprendre dans quel esprit sa musique fut conçue. Il est formé de six chapitres d’inégale longueur : le Prologue et l’Épilogue, qui traitent essentiellement de questions esthétiques et musicales, dont celle de la musique à programme, entourent les quatre chapitres consacrés à Emerson, Hawthorne, Les Alcott et Thoreau, qui correspondent aux quatre mouvements de la sonate, et où le compositeur développe une réflexion aussi bien esthétique que philosophique, avec ses implications politiques et sociales.
Ce texte est comme un flux qui charrie tout un lot de réflexions profondes et de métaphores savoureuses, de citations et de paraphrases. Dans la « Musique du futur » et dans les « Impressions en quarts de ton », deux textes plus courts, Ives ouvre des perspectives audacieuses concernant la spatialisation du son et l’utilisation des micro-intervalles. S’ajoutent quelques extraits des notes concernant la sonate Concord publiées dans les Memos.

Extrait et table des matières

Traduit de l’anglais par
C. Russi, V. Barras, V. Aliberti,
D. Collins et Sook Ji.

2016
Format : 14 × 22,2 cm
208 pages
ISBN 978-2-940068-49-4
18 € / CHF

Philippe Junod

Contrepoints

Dialogues entre musique et peinture
Collection: Classique
Papier
27 CHF (27 €)
ISBN: 9782940068289
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599325

Les convergences entre arts du temps et de l’espace sont plus actuelles que jamais. Rencontres, doubles vocations, collaborations, influences, transpositions, métissages divers caractérisent l’esthétique de notre temps, dont l’ouverture multimédia s’affirme comme un refus du purisme des générations précédentes. Mais le phénomène ne date pas d’hier, et la modernité se teinte parfois d’archaïsme. C’est Stendhal qui nous a légué la manie des comparaisons entre peintres et compositeurs, et les permanences sont nombreuses et significatives, qui vont des origines pythagoriciennes de la musique des sphères aux racines romantiques du musicalisme. Cette quête de correspondances, expression d’une nostalgie de l’unité perdue, s’oriente tantôt vers le domaine des synesthésies et du mythe de l’audition colorée, tantôt vers celui des proportions harmoniques, où l’analogie musicale s’insinue dans les théories picturales. La peinture elle-même n’y échappe guère, et Bach et Wagner sont sans doute les musiciens qui ont le plus souvent nourri l’imaginaire des artistes. C’est à diverses facettes de ce dialogue séculaire que sont consacrés ces essais.

2006
Format : 14 × 22,2 cm
224 + 4 pages
ISBN 978-2-940068-28-9
27 € / CHF

Michael H. Kater

Huit portraits de compositeurs sous le nazisme

Collection: Classique
Papier
28 CHF (28 €)
ISBN: 9782940068388
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599486

Dans ce livre qui complète une série d’études menées sur la culture durant l’époque nazie, l’historien Michael Kater suit le parcours de huit compositeurs très différents les uns des autres, auscultant le comportement d’artistes qui avaient déjà, au moment de l’avènement de Hitler en 1933, une réputation dans la sphère musicale allemande et internationale. Son étude minutieuse, qui s’appuie sur une documentation en partie inédite, d’une exceptionnelle richesse, suit la trajectoire de personnalités qui choisirent ou bien la collaboration et l’opportunisme, ou bien la résistance et l’exil. Dans la première catégorie, les deux compo-
siteurs postromantiques, Strauss et Pfitzner, s’accommodèrent du pouvoir nazi au nom de la grande tradition germanique ; Hindemith partageait cette position, mais le modernisme qu’il avait incarné sous la République de Weimar suscitait un rejet qui le contraignit finalement à l’exil. Orff et Egk saisirent l’occasion de faire carrière et de représenter la nouvelle Allemagne par leurs oeuvres et leur activité. À l’opposé, Schoenberg et Weill, qui étaient juifs, prirent immédiatement le chemin de l’exil. Hartmann, enfin, cessa de composer, restant à l’écart de la vie publique jusqu’à la fin de la guerre.
Ces huit destins croisés mettent cruellement en jeu les rapports entre l’esthétique et la politique, sur fond de lutte entre les Anciens et les Modernes.

Extrait et table des matières

Prix des Muses 2013 : Prix de l’essai historique

Préface de Philippe Albèra
Traduction de Sook Ji et Martin Kaltenecker, avec le concours
du Centre national du Livre, Paris

2011
Format : 14 × 22,2 cm
448 pages
ISBN 978-2-940068-38-8
28 € / CHF

György Kurtág

Entretiens, textes, dessins

Collection: Classique
Papier
26 CHF (26 €)
ISBN: 9782940068340
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599448

Traduits par Mireille T. Tóth, Peter Szendy, Simon Gallot et Stella Senes
Ouvrage publié avec l’aide de la Haute École de Musique de Genève

György Kurtág (né en 1926) a toujours refusé de parler sur la musique, et sur la sienne en particulier. Les témoignages ici rassemblés, et tout particulièrement les trois entretiens réalisés par Bálint András Varga, constituent donc un témoignage précieux. La parole souvent hésitante de Kurtág est un parole de vérité : l’homme se livre tout entier, laissant apparaître l’univers intérieur qui fonde son œuvre et lui confère une force expressive magnétique. Les trois entretiens avec Bálint András Varga ont été réalisés entre 1982 et 2008. Dans les deux hommages émouvants consacrés à son ami György Ligeti, Kurtág recompose ses souvenirs dans une forme étonnante, et son récit rejoint celui de la grande histoire, si mouvementée pour ces deux compositeurs nés juifs en des temps hostiles, dans une région déchirée entre deux pays et trois cultures, et finalement rejetée de l’autre côté du rideau de fer. On ne peut qu’être touché par l’authenticité de cette parole et fasciné par cette quête inlassable où l’homme se joue tout entier. Le texte s’accompagne de dessins faits par Kurtág lui-même.

Extrait et table des matières

Traduits par Mireille T. Tóth,
Peter Szendy, Simon Gallot
et Stella Senes

Ouvrage publié avec l’aide de
la Haute École de musique de Genève

2009
Format : 14 × 22,2 cm
224 + 12 pages
Nombreux dessins, photos
et exemples musicaux
ISBN 978-2-940068-34-0
26 € / CHF

Helmut Lachenmann

Écrits et entretiens

Collection: Classique
Papier
33 CHF (33 €)
ISBN: 9782940068333
eBook
12 CHF (9.99 €)

Helmut Lachenmann, né en 1935, appartient à une génération qui fut confrontée, dès son apprentissage, au legs de la « musique nouvelle », dominée par le concept du sérialisme intégral. Il en retint l’idée d’un renouvellement des catégories de la pensée et de l’écoute, et ses années de formation auprès de Luigi Nono le sensibilisèrent aux significations sociales qu’elles impliquaient. Mais si Lachenmann s’orienta vers de nouveaux mondes sonores, c’était moins pour y cueillir des « sons neufs et inconnus » que pour y découvrir « de nouveaux sens, une nouvelle sensibilité à l’intérieur de nous-mêmes, une perception transformée ». Celle-ci rejaillit sur les musiques les plus familières, qu’il s’agit de redécouvrir
« comme un monde qui soudain sonne de manière étrange ». L’esprit critique, ici, naît de la révolte contre le cours du monde. La réflexion est intimement liée au travail de création, les motifs éthiques et esthétiques se nourrissant mutuellement. Les textes présentés dans ce volume témoignent d’un tel engagement, qu’ils soient analytiques ou esthétiques, qu’ils traitent de Beethoven, Wagner, Mahler, Webern ou de ses propres pièces, dont certaines sont étudiées en détail. La musique et le métier de compositeur y apparaissent comme une « expérience existentielle ».

Choisis et préfacés
par Martin Kaltenecker
Traduits par Nicolas Donin,
Martin Kaltenecker, Jean Lauxerois, Olivier Mannoni, Michel Pozmanter, Yves Saint-Amant, Peter Szendy
2009
Format : 14 × 22,2 cm
288 pages
Nombreux exemples musicaux
ISBN 978-2-940068-33-3
33 € / CHF

Jean-Louis Leleu

Ces mystérieux accords parfaits

Trois études sur la musique d’Arnold Schoenberg
Collection: Classique
Parution: novembre 2019
Papier
25 CHF (25 €)
ISBN: 9782940068562
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599646

À travers l’étude précise d’un choix d’oeuvres de Schoenberg, Jean-Louis Leleu cherche à faire apparaître l’unité de la pensée musicale du compositeur, notamment en ce qui concerne la dimension harmonique, par-delà la différence des techniques d’écriture et des orientations stylistiques (atonalité libre, dodécaphonisme pur ou intégrant la modalité et la tonalité). À travers cette étude rigoureuse et minutieuse, l’auteur renouvelle l’approche de la musique de Schoenberg et en révèle la logique profonde.

Contrechamps Novembre 2019
Format : 14 x 22.2 cm – 350 pages
25 euros / frs
Isbn : 978-2-940068-56-2
Ouvrage publié avec le concours du Centre National du Livre et de
la Fondation Salabert

Jean-Louis Leleu

La construction de l’idée musicale

Essais sur Webern, Debussy et Boulez
Collection: Classique
Papier
35 CHF (35 €)
ISBN: 9782940068470
eBook
12 CHF (9.99 €)

Dans les études formant ce recueil, résultat de nombreuses années de recherche, Jean-Louis Leleu s’attache à saisir la pensée musicale au moment où elle se construit et se développe. Il le fait à travers des analyses rigoureuses du texte musical, ainsi qu’à travers l’usage des esquisses et des sources, s’appuyant notamment sur les méthodes de Georges Perle. Dans une première partie, « Exposition », Leleu donne des repères théoriques, s’attachant par ailleurs à saisir la logique singulière du langage musical de Bartók et à interroger l’approche de Debussy réalisée par le musicologue germanique Ernst Kurth. Dans les trois « Développements » qui suivent, il aborde les univers de Debussy, Webern et Boulez qui représentent trois repères essentiels tout au long du xxe siècle. Il fait apparaître chez ces trois compositeurs les mécanismes de pensée qui débouchent sur des organisations cohérentes. À travers ces essais, Jean-Louis Leleu trace une ligne sensible qui éclaire l’ensemble de la production moderne.

2015
Format : 14 × 22,2 cm
686 pages
ISBN 978-2-940068-47-0
35 € / CHF

György Ligeti

Écrits sur la musique et les musiciens

Ecrits sur la musique, volume III
Collection: Classique
Papier
28 CHF (28 €)
ISBN: 9782940068463
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599547

Longtemps restés confidentiels, les écrits de György Ligeti (1923-2006) constituent un document essentiel ; non seulement parce que ce sont ceux de l’un des plus grands compositeurs de son époque, mais aussi parce qu’ils développent une pensée originale et profonde, très différente de celle de ses contemporains. Le fait que Ligeti ait intégré tardivement le cercle de Darmstadt après avoir fui la Hongrie en 1956, alors qu’il avait déjà composé des œuvres majeures dans le sillage de Bartók, a favorisé son approche critique de la situation musicale, et en particulier du sérialisme.

Dans les essais écrits au tournant des années cinquante et soixante, il fonde sa propre démarche en faisant apparaître les contradictions de la composition sérielle comme celle de Cage. Une partie importante des textes est consacrée à l’œuvre de Webern, que Ligeti découvrit à ce moment-là. Plus tard, ses réflexions témoignent de son ouverture d’esprit, de la recherche de voies nouvelles, et d’un éclatement des références : elles ont un caractère autobiographique plus marqué. S’y ajoutent de nombreux témoignages et des hommages qui ne concernent pas seulement les musiciens, et qui font apparaître la grande humanité du compositeur.

Extrait et table des matières

Traduits par Catherine Fourcassié
Prix des Muses 2015
2014
Format : 14 × 22,2 cm
440 pages
ISBN 978-2-940068-46-3
28 € / CHF

György Ligeti

L’Atelier du compositeur

Écrits sur la musique, volume II
Collection: Classique
Papier
28 CHF (28 €)
ISBN: 9782940068449
eBook
12 CHF (9.99 €)

Dans ce volume d’écrits faisant suite aux Neuf essais sur la musique publiés antérieurement, György Ligeti (1923-2006) nous fait entrer dans son atelier de compositeur. Se trouvent ici réunis non seulement tous les textes qu’il a consacrés à ses oeuvres, mais aussi tous ses écrits autobiographiques. Le regard porté sur une vie mouvementée ou sur sa judéité, les souvenirs et les prises de position polémiques, les commentaires d’une étonnante précision sur ses propres compositions, témoignent tous d’une extrême lucidité, celle d’un artiste ballotté par les vents contraires de l’histoire, partagé entre plusieurs pays et plusieurs cultures, mais toujours suprêmement libre.
Représentant critique d’une avant-garde musicale qu’il n’a cessé de bousculer, cet ennemi acharné de toute idéologie, qu’elle soit politique ou esthétique, fut un artiste à la fois rigoureux et d’une fantaisie débridée, un penseur et un artisan. Ses textes constituent un témoignage précieux et une source indispensable d’informations.

Traduits par Catherine Fourcassié, Pierre Michel et al.
Édités par Philippe Albèra,
Catherine Fourcassié et Pierre Michel
Ouvrage publié avec le soutien
de l’Université de Strasbourg
2013
Format : 14 × 22,2 cm
328 pages
ISBN 978-2-940068-44-9
28 € / CHF

György Ligeti György Kurtag

Ligeti Kurtag

Revue Contrechamps N°12-13
Collection: Revue
Parution: juin 1990
Papier
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)

György Ligeti et György Kurtág sont incontestablement les deux figures dominantes de la musique hongroise de l’après-guerre. Ils occupent une place très importante et très particulière dans la musique actuelle. Ayant assimilé les idées et les techniques des différentes avant-gardes musicales tout en restant attachés à de multiples références historiques liées aussi bien à la musique savante qu’aux musiques populaires, ils ont suivi une démarche originale, à l’écart de toute idée de « système » ou d’« école ». Leur pensée musicale n’en est pas moins élaborée, complexe et cohérente, comme on peut le constater dans certains articles de ce numéro. Elle est articulée en profondeur à toutes sortes d’implications philosophiques, poétiques ou politiques que les auteurs analysent ici. Nous avons joint à ces études des textes de Ligeti et de Kurtág, ainsi que divers témoignages. Ce volume contient deux textes inédits de Ligeti et un entretien avec Kurtág, ainsi que des textes de I. Balázs, R. Toop, H.-P. Kyburz, G. Kroó, R. Dalos, A. Csengery, F. Spangemacher, P. Szendy, D. Bouliane, F. Sallis.

No 12-13, 1990
Format : 15,5 × 22,5 cm
291 pages et illustrations

György Ligeti

Neuf essais sur la musique

Écrits sur la musique, volume I
Collection: Classique
Papier
20 CHF (20 €)
eBook
12 CHF (9.99 €)

Ces Neuf essais sur la musique, écrits entre 1957 et 1991, avaient été choisis par le compositeur parmi une grande quantité de textes liés à son activité créatrice, et ce en fonction de l’éventail de leurs préoccupations et de leur pertinence théorique ; ils couvrent une période allant de 1957 à 1991. Par l’originalité et la profondeur de leurs propos, ils représentent une contribution majeure à la réflexion sur la musique de notre temps. Ils abordent les différentes dimensions du phénomène musical et les différents aspects de la pensée compositionnelle, de la dissonance chez Mozart jusqu’aux problématiques de la musique électronique, de l’harmonie chez Webern ou de l’automatisme sériel chez Boulez jusqu’à une conception renouvelée de la forme, du langage et de la notation. À partir de ces différents sujets, Ligeti parvient à une synthèse, à un élargissement et à un dépassement des catégories de pensée élaborées durant les années 1950, avec un esprit ouvert et résolument non dogmatique, qui s’accompagne d’une rigueur extrême. Si les problématiques abordées ici ne se réfèrent pas directement aux oeuvres de Ligeti, elles y renvoient pourtant constamment et en éclairent l’arrière-fond conceptuel.
Conçu avant que soit entreprise une édition complète des écrits de Ligeti, ce volume est désormais le premier d’une série de trois regroupant l’intégralité de ses textes.

Traduit de l’allemand
par Catherine Fourcassié
Traduit et publié avec le concours
du Centre National du Livre, Paris
Deuxième édition
2010
208 pages
Nombreux exemples musicaux
ISBN 978-2-940068-36-4
20 € / CHF

Pierre Michel

Luigi Dallapiccola

Collection: Classique
Papier
ISBN: 9782940068081
Épuisé
eBook
11 CHF (8.99 €)

Luigi Dallapiccola (1904-1975) appartient à une génération intermédiaire entre celle de Webern, Stravinski ou Bartók, et celle de Boulez, Nono ou Berio. Comme son contemporain Bernd Alois Zimmermann, il a forgé son style au gré d’une évolution solitaire, rompant dans les années 1930 à la fois avec le vérisme et le néoclassicisme qui dominaient la scène musicale italienne, et dans le domaine politique avec le fascisme. La modernité de l’écriture, chez lui, est inséparable d’un engagement humaniste – l’oeuvre est témoignage. Par sa position historique, son indépendance et son exigence tant humaines que stylistiques, il fut le modèle de toute une génération de compositeurs italiens de l’après-guerre. Mais en même temps, son oeuvre est restée marginale, et elle demeure mal connue.
Pierre Michel, dans ce livre qui est la première publication sur Dallapiccola en français, replace le compositeur dans son contexte historique, avant d’aborder certains aspects de son style ; cet ouvrage comporte de nombreux documents inédits, ainsi qu’un catalogue détaillé des oeuvres, une bibliographie et une discographie.

Ouvrage publié avec le concours
de la SACEM
1996
Format : 14 × 22,2 cm
176 pages
Nombreux exemples musicaux
et illustrations
ISBN 978-2-940068-08-1
(2-940068-08-9)
Version papier épuisée

Luigi Nono

Ecrits

Collection: Classique
Papier
35 CHF (35 €)
ISBN: 9782940068296
eBook
12 CHF (9.99 €)

Tout au long de sa vie, Luigi Nono (1924‑1990) a défendu l’idée selon laquelle la musique la plus avancée devait être aussi une musique engagée dans son temps. La sienne fut nourrie par l’esprit de la résistance antifasciste en Italie, élargie aux luttes contre toutes les formes de domination et d’impérialisme dans le monde. Les moyens nouveaux, ceux du sérialisme puis ceux de la technologie, visent une forme d’utopie sensible à travers laquelle se dessine la possibilité d’une autre société et d’un « homme nouveau ». Jusqu’ici, on connaissait les textes dans lesquels Nono traite des questions esthétiques et musicales, même si
celles-ci sont toujours traversées chez lui par des considérations politiques. Mais Nono a écrit une quantité considérable d’autres textes qui, après sa mort, ont été regroupés et archivés. Certains sont liés à son activité politique : reportages, prises de position, polémiques, interventions… D’autres traitent de la musique : conférences, présentations, préfaces, discussions… Ils sont publiés ici pour la première fois en français, de même que les textes connus ont été repris à partir des versions originales, permettant d’enrichir considérablement l’image d’un compositeur qui compte parmi les personnalités les plus importantes de son époque.
Cette édition a été réalisée par Laurent Feneyrou, qui a traduit lui-même l’ensemble des textes. Elle comporte le CD d’une conférence donnée par Luigi Nono à la Salle Simón I. Patiño de Genève, lors d’un concert Contrechamps le 17 mars 1983.

Nouvelle édition française de
Laurent Feneyrou basée sur
l’édition italienne d’Angela Ida
De Benedictis et de Venerio Rizzardi
Traduits par Laurent Feneyrou
Coup de coeur de l’Académie
Charles-Cros 2008
Prix des Muses 2008
2007
Format : 14 × 22,2 cm
720 pages + CD audio
ISBN 978-2-940068-29-6
35 € / CHF

Luigi Nono

Luigi Nono

Revue Contrechamps N° spécial
Collection: Revue
Parution: janvier 1988
Papier
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)

Les œuvres que Luigi Nono composa à partir de la fin des années 1970 marquent chez lui un tournant : l’exploration d’un nouveau monde sonore, lié à son travail avec les moyens de la live-electronics alors en pleine émergence, et une intériorisation des problématiques existentielles, politiques et sociales qu’il avait développées à travers ses œuvres précédentes et qui lui avaient valu le qualificatif de « musicien engagé ». Les œuvres de cette dernière période ont considérablement influencé les nouvelles générations et elles continuent de fasciner, aussi bien par l’expérience musicale singulière à laquelle elles convient les auditeurs que par leur force d’utopie. Ce numéro spécial de la Revue Contrechamps a été réalisé en 1987 à l’occasion d’une série de concerts organisés par le Festival d’Automne à Paris et consacrés à ces œuvres de la dernière période, en particulier au Prometeo qui en est la somme. Les textes réunis dans cet ouvrage sont signés par des exégètes historiques de sa musique comme Massimo Mila, Jürg Stenzl ou Giovanni Morelli, par ses propres collaborateurs – Massimo Cacciari, Hans-Peter Haller, Renzo Piano, Claudio Abbado –, ainsi que par tout un ensemble de spécialistes qui jettent sur ses œuvres un regard critique. Le livre s’ouvre sur un texte inédit du poète Edmond Jabès et sur un entretien avec le compositeur. Les contributions cernent, à partir de points de vue différents, la singularité de la démarche du dernier Nono, sa recherche d’un monde sonore autre en lien avec les espaces où il doit se déployer et une pratique de l’écoute renouvelée. L’ouvrage est enrichi de nombreuses photos et d’esquisses en couleurs. C’est la seule documentation disponible en français sur les œuvres de la dernière période du compositeur, et elle complète idéalement la publication des Écrits de Nono que les éditions Contrechamps ont publiés en 2007.

Textes de Luigi Nono,
Edmond Jabès et Massimo Cacciari.
Études de Philippe Albèra,
István Balázs, Massimo Mila,
Ivanka Stoïanova, Jürg Stenzl,
Doris Döpke, Giovanni Morelli,
Michele Bertaggia, Marco Biraghi,
Hans-Peter Haller, Claudio Abbado
et Renzo Piano.

Revue Contrechamps
Festival d’Automne à Paris, 1988
Format : 22 × 24 cm
223 pages

Max Noubel Elliott Carter

Elliott Carter ou le temps fertile

Collection: Classique
Papier
21 CHF (21 €)
ISBN: 9782940068173
eBook
12 CHF (9.99 €)

Ce livre est la première étude d’ensemble publiée en français sur la musique d’Elliott Carter. Max Noubel y décrit les années de formation du compositeur dans le contexte de l’entre-deux-guerres, puis son orientation esthétique solitaire dans le courant des années 1940, qui ouvre à l’une des aventures artistiques les plus fascinantes et les plus fécondes de cette seconde moitié du xxe siècle. Suivant l’évolution même de Carter, chez qui la biographie s’efface progressivement devant la production de plus en plus intense des oeuvres, Max Noubel nous fait entrer dans l’atelier du compositeur : il présente les fondements de son langage, ainsi que l’ensemble des pièces écrites sur une période de plus de soixante ans. L’analyse des structures révèle la richesse des significations. Si l’auteur insiste sur la construction du temps et sur les caractères expressifs, c’est que les oeuvres de Carter apparaissent sous la forme de récits ou de drames dont les personnages sont les instruments eux-mêmes. Loin de tout dogmatisme, Carter cherche à exprimer l’« homme ondoyant et divers » cher à Montaigne, qui accède à la pleine conscience de lui-même dans le dialogue ou la confrontation avec ses partenaires. La construction du temps, à travers l’écriture musicale, est alors construction de liberté. C’est en quoi le temps cartérien est un temps fertile. Ce livre est précédé, en guise de préface, d’un entretien avec Pierre Boulez.

Prix des Muses 2001
2000
Format : 14 × 22,2 cm
324 pages
Nombreux exemples musicaux
et illustrations
ISBN 978-2-940068-17-3
(2-940068-17-8)
21 € / CHF

Wolfgang Rihm

Fixer la liberté ?

Écrits sur la musique
Collection: Classique
Papier
23 CHF (23 €)
ISBN: 9782940068456
eBook
12 CHF (9.99 €)

Wolfgang Rihm, né en 1952, est l’une des figures majeures de la création musicale actuelle, et ce recueil de ses textes est le premier qui lui soit consacré en français. Pour Rihm, la liberté musicale et la subjectivité sont des notions fondamentales, au nom desquelles il n’hésite pas à explorer des territoires qui ont été longtemps tabous dans le monde de la musique contemporaine. Associé à ses débuts au courant de la « Nouvelle Simplicité », il a beaucoup évolué, revendiquant un certain éclectisme.
Dans ses textes, Rihm aborde de nombreuses questions telles que l’humanisme, la postmodernité, les rapports entre langage et musique, la tonalité, le théâtre musical, la spiritualité, le progrès. Notre sélection se concentre sur les écrits qui révèlent le mieux la pensée du compositeur et comprend un entretien inédit.
Cette pensée en perpétuelle évolution depuis les années 1970 accompagne une production musicale impressionnante, qui comporte à ce jour près de 350 opus, et où tous les genres musicaux sont abordés, du lied au grand opéra, de la pièce solo au grand orchestre, sans oublier l’oratorio et même une Passion.
C’est Martin Kaltenecker, l’un des meilleurs connaisseurs de la musique récente dans les pays germaniques, qui a traduit l’ensemble des textes.

Choisis par Pierre Michel,
traduits par Martin Kaltenecker
Ouvrage traduit avec le soutien
du Centre National du Livre
2013
Format : 13,7 × 22 cm
248 pages
ISBN : 978-2-940068-45-6
23 € / CHF

Charles Rosen

Musique et sentiment et autres essais

Collection: Classique
Parution: novembre 2020
Papier
20 CHF (20 €)
ISBN: 9782940068609

« Musique et sentiment » est le titre donné par Charles Rosen à une série de conférences prononcées à l’Université de Bloomington. L’auteur y analyse les changements stylistiques intervenus dans l’histoire de la musique entre les époques baroque et moderne, s’attachant à la manière dont les idées musicales se construisent à travers l’interaction entre les données du langage et les formes de représentation. À partir de tout un ensemble d’exemples musicaux, il montre comment le sens musical se constitue, se différencie et se transforme.

Les sept chapitres de ce vaste essai constituent une traversée de la musique depuis Bach jusqu’à nos jours, tout en se présentant comme une histoire des affects et de la façon de les représenter, qui renvoie à la nature des liens entre les hommes. Dans un mélange de pragmatisme et de culture soutenu par une connaissance exhaustive du répertoire, Charles Rosen fait apparaître les mutations du sens musical en rapport avec celles du langage et les questions qu’elles posent.

Ces conférences sont prolongées par les autres textes de ce volume. Dans l’un, Charles Rosen étudie la relation entre originalité et convention, mettant en jeu le rapport à la tradition ; dans un autre, il pose la question des rapports entre notation et interprétation. Dans les deux derniers textes, il s’attache à deux œuvres d’Elliott Carter qu’il a beaucoup jouées en tant que pianiste, l’une concertante, l’autre solo. On y retrouve la même démarche éclairante et essentielle qui consiste à « donner un sens aux signes complexes ».

Enfant prodige, Charles Rosen (1927-2012) entre à la Juilliard School à l’âge de sept ans puis étudie à l’Université de Princeton.  Interprète dont la démarche consiste, comme il le dit lui-même, à « jouer – écouter – réfléchir », il mène deux carrières parallèles : celle de concertiste et celle de musicologue. Ses ouvrages principaux – Le style classique, Formes sonates, La génération romantique – eurent un retentissement considérable et demeurent des références incontournables.

Contrechamps
Novembre 2020
Traduit et présenté par Théo Bélaud
ISBN : 978-2-940068-60-9
Format : 14 x 22.2 cm
256 pages
20 euros/CHF

Dieter Schnebel

Musique visible

Essais sur la musique
Collection: Classique
Parution: novembre 2019
Papier
25 CHF (25 €)
ISBN: 9782940068579
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599639

Le compositeur Dieter Schnebel fait partie des compositeurs les plus prolifiques de l’avant-garde musicale européenne. Tout en proposant une synthèse des problématiques centrales de son époque, il se démarque toujours de ses contemporains par une pensée, complexe et pluridisciplinaire, fondée sur une vaste connaissance musicologique, philosophique et théologique. Né en 1930 à Lahr (Allemagne), il partage sa vie entre ses activités théologiques et la musique. Il sera successivement pasteur et enseignant de religion, et parallèlement compositeur et professeur de musique expérimentale à la Hochschule der Künste de Berlin (à partir de1966). La traduction d’une ample sélection des écrits de Schnebel vise à mieux faire connaître ceux-ci par le public francophone et à contribuer à la connaissance d’une période décisive de l’histoire musicale de l’après-guerre. Le choix des textes et la préparation du recueil a été entreprise par Héloïse Demoz en collaboration avec le compositeur, lequel est hélas décédé brutalement entretemps.

Contrechamps Novembre 2019
Format : 14 x 22.2 cm – 360 pages
25 euros/frs
Isbn : 978-2-940068-57-9
Edité par Héloise Demoz.
Traduit par Olivier Baisez, Anne Chalard-Filaudeau, Marie-Ange Maillet.
Ouvrage publié avec le concours du Centre National du Livre, de l’Université
Paris 8 – Vincennes-St-Denis, du Groupe de recherches expérimentales sur l’acte musical (GREAM) – Université de Strasbourg.

Arnold Schoenberg Wassily Kandinsky Ferruccio Busoni

Schoenberg-Kandinsky / Schoenberg-Busoni

Correspondances, textes
Collection: Classique
Papier
30 CHF (30 €)
ISBN: 9782940068067
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599219

Ouvrage publié avec la participation de la Loterie romande et de Médecine et Hygiène, et traduit avec le concours du Centre National du Livre

Les correspondances entre Schoenberg et Busoni d’une part, et entre Schoenberg et Kandinsky d’autre part, sont des documents exceptionnels sur les plans humain, artistique et musical. Schoenberg y dévoile la véritable théorie esthétique de l’atonalité, insistant sur le rôle central de l’inconscient et sur le sens donné à l’harmonie nouvelle. Il défend face à Busoni la cohérence de son style, discutant âprement la transcription de la deuxième pièce pour piano opus 11 réalisée par celui-ci.
Avec Kandinsky, il discute la question du « constructif » et de l’« illogique » dans l’art, et la préparation de l’almanach et de l’exposition du Blaue Reiter. L’échange porte aussi sur la guerre, la religion et la question juive, et il fournit toutes sortes d’informations sur la biographie de leurs auteurs. C’est enfin le portrait de trois créateurs de premier plan, engagés dans le renouveau artistique de l’avant et de l’après-guerre.
L’édition des lettres est enrichie de différents textes de Schoenberg, Busoni et Kandinsky, et de deux introductions situant ces correspondances dans leur contexte historique.

Extrait et table des matières

Traductions de D. Haefliger,
A. Courvoisier, E. Politi, P. Albèra,
C. Russi, O. Mannoni et V. Barras

Ouvrage publié avec le soutien
de la Loterie romande,
de Médecine & Hygiène et
du Centre National du Livre, Paris

1995
Format : 14 × 22,2 cm
248 pages
21 illustrations (noir et couleur)
ISBN 978-2-940068-06-7
(2-940068-06-2)
30 € / CHF

Arnold Schoenberg Vassily Kandinsky

Schoenberg-Kandinsky, correspondance - écrits

Revue Contrechamps N°2
Collection: Revue
Parution: janvier 1984
Papier
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)

La correspondance entre Schoenberg et Kandinsky est publiée ici pour la première fois en français. Les lettres de Schoenberg se trouvent à Munich, à la Fondation Gabriele Münter et Joseph Eichner ; elles étaient pour ainsi dire inaccessibles et ce n’est qu’en 1980 qu’elles ont été rassemblées par Jelena Hahl-Koch dans un ouvrage paru chez Residenz Verlag à Salzburg : « Arnold Schönberg/Wassily Kandinsky : Briefe, Bilder und Dokumente einer aussergewöhnlichen Begegnung ». Les lettres de Kandinsky, tout comme les propres copies des lettres de Schoenberg, se trouvent depuis 1920 à la Library of Congress de Washington. Erwin Stein en avait déjà choisi trois, en raison de leur contenu politique et humain, pour son édition des lettres de Schoenberg (Schönberg : Briefe, Mainz 1958). Ces lettres, traduites par Denis Collins en français (Lattès, Paris, 1983), ont été reproduites telles quelles ici ; nous avons seulement ajouté une phrase manquante dans l’édition française. La publication plus tardive de certains extraits en langue allemande est mentionnée dans les notes. Certaines lettres de Gabriele Münter (également déposées à la Library of Congress) ont été ajoutées à cette correspondance afin de compléter ou de remplacer celles de Kandinsky dont on a perdu la trace.Dans notre traduction, nous nous sommes efforcés de rester aussi près que possible de la forme originale du texte, afin d’en conserver la spontanéité, quitte à laisser des répétitions, des néologismes, des métaphores, etc. Nous avons également respecté la typographie originale (signes de ponctuation, abréviations, majuscules/minuscules, etc.) Toutes les indications supplémentaires — par exemple les points de suspension indiquant que certaines communications personnelles de Gabriele Munter ont été supprimées — se trouvent entre crochets. Certains mots sont accompagnés de leur original allemand, particulièrement pour Kandinsky, qui déplorait ne pas disposer d’une syntaxe et d’une terminologie assez précises pour parler d’esthétique et qui, pour désigner une nouvelle notion, emploie volontiers des mots inédits, dégagés du sens habituel.

Textes de Arnold Schoenberg
et Vassily Kandinsky.
Études de Jelena Hahl-Koch,
Carl Dahlhaus, Dora Vallier,
Pierre Boulez, Philippe Albèra
et Jacques Demierre.

No 2, 1984
Format : 15,5 × 22,5 cm
184 pages

Karlheinz Stockhausen

Comment passe le temps

Essais sur la musique 1952-1961
Collection: Classique
Papier
25 CHF (25 €)
ISBN: 9782940068524
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599615

Karlheinz Stockhausen (1928-2007) a été, dans les années 1950, l’une des figures dominantes de l’avant-garde musicale : un compositeur inventif, audacieux et visionnaire. Chacune de ses œuvres constituait un événement et une avancée, chacune ouvrait des horizons nouveaux, et chacune était accompagnée par une réflexion théorique : Kreuzspiel et Kontra-Punkte sont liées aux notions de « musique ponctuelle » et de « composition par groupes » développées dans les premiers textes – Stockhausen cherchait alors à généraliser le sérialisme à toutes les composantes de l’écriture ; Gesang der Jünglinge fut le premier chef-d’œuvre de la musique électronique, dont Stockhausen a été un pionnier, et dont il détaille les enjeux dans ses écrits ; Zeitmaße et Gruppen apportèrent des éléments d’indétermination liés à une nouvelle conception du temps et de la forme, que Stockhausen appelle « statistique », et qu’il expose notamment dans son texte central, « … comment le temps passe… » ; elle entraîna l’idée d’une musique spatialisée, créant de nouvelles conditions d’écoute, discutées dans « Musique dans l’espace » ; Kontakte mélange les sources instrumentales et électroniques, développant une nouvelle conception de la forme, appelée « forme-moment », qui est aussi le titre de l’un de ses essais ; enfin, des pièces comme Klavierstück XI, Refrain ou Zyklus introduisirent une part d’aléatoire qui redonna aux musiciens une certaine liberté dans le travail d’interprétation.

Dans ses textes, Stockhausen s’appuie sur la nature des phénomènes plutôt que sur des considérations historiques ou esthétiques. À chaque étape de son évolution, il a forgé des concepts et ouvert des perspectives. C’est cette formidable aventure, qui fut globalement celle de toute une génération, qui est consignée dans les textes regroupés ici, écrits entre 1952 et 1961. Ils révèlent une pensée profonde et prospective, en perpétuelle recherche, mais traversée par une exigence centrale : unifier tous les éléments d’une œuvre, de la micro à la macrostructure, dans une organisation totale qui reflèterait l’ordre divin et échapperait au temps mesuré.

Ces textes, dont plusieurs n’avaient pas été traduits jusque-là, sont regroupés ici pour la première fois en français.

Ouvrage publié avec l’aimable autorisation de la fondation Stockhausen pour la musique.

Édité par Philippe Albèra
Traduction de Christian Meyer
2017
Format : 22,2 × 28,7 cm
352 pages
Nombreuses illustrations
ISBN 978-2-940068-52-4
25 € / CHF

Karlheinz Stockhausen

Karlheinz Stockhausen

Revue Contrechamps N°9
Collection: Revue

Karlheinz Stockhausen est né en 1928 à Cologne. Au cours des années cinquante, il a occupé une position dominante dans le mouvement de la nouvelle musique, dont il fut la figure la plus radicale et la plus puissamment imaginative. Son nom est lié au mouvement sériel post-webernien et à l’avènement de la musique électro-acoustique.

Les textes qu’il écrivit dans les années cinquante, que nous présentons ici pour la première fois en français, sont intimement liés à ses oeuvres de l’époque telles que Kreuzspiel, Kontrapunkte, Gesang der Jiinglinge, Zeitmasse, Klavierstükke I-XI, Gruppen, Momenta, Kontakte, etc. Ils abordent tous les problèmes d’un langage musical reconstruit non pas à partir de références stylistiques et historiques, mais sur la base d’une analyse quasi scientifique des propriétés acoustiques du son.

Chez Stockhausen, la réflexion théorique et l’artisanat compositionnel sont les deux faces d’une même expérience. C’est pourquoi la publication en français de ses écrits des années cinquante s’imposait. Nous l’avons complétée par un entretien radiophonique entre Stockhausen et Adorno sur les résistances vis-à-vis de la nouvelle musique, par une étude du musicologue Etienne Darbellay sur les problèmes du temps musical, et par un travail analytique sur le célèbre Klavierstück IX par le pianiste Herbert Henck.

No 9, 1988
Format : 15,5 × 22,5 cm
193 pages
Epuisé
Ebook non disponible

Karlheinz Stockhausen

Karlheinz Stockhausen - Montag aus Licht

Revue Contrechamps N° spécial
Collection: Revue
Parution: mars 1988
Papier
Épuisé
eBook
4.99 CHF (4.99 €)
ISBN: 9782940599073

Karlheinz Stockhausen occupe, depuis le début des années cinquante, une position dominante dans le mouvement de la nouvelle musique. Il en a été l’une des figures les plus radicales et les plus puissamment imaginatives. Dans tous les domaines, il a ouvert des voies nouvelles, audacieuses et fécondes : au cours des années cinquante, par un renouvellement fondamental des concepts compositionnels et par son travail de pionnier dans le domaine électro-acoustique ; puis, dans les années soixante, par le développement de nouvelles conceptions formelles et par la recherche d’une synthèse stylistique mêlant des matériaux historiques et les influences de musiques extra-européennes aux moyens nouveaux ; c’est ainsi qu’il développa l’idée d’une “musique universelle” et d’une “musique cosmique” débouchant sur le vaste projet d’un opéra étendu aux sept jours de la semaine, Licht, auquel il travaille depuis 1977.

Textes de Karlheinz Stockhausen,
Emmanuel Nunes
et Brian Ferneyhough.
Études de Philippe Albèra,
Bernard Heidsieck,
Robert Piencikovski, Michael Kurtz,
François Nicolas

Revue Contrechamps
Festival d’Automne à Paris, 1988
Format : 22 × 24 cm
127 pages

Edgard Varèse André Jolivet

Varèse - Jolivet : Correspondance 1931-1965

Collection: Classique
Papier
24 CHF (24 €)
ISBN: 9782940068203
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599271

Ouvrage publié avec l’aide de la SACEM

Né en 1883 à Paris, mort en 1965 à New York, Varèse a traversé son siècle comme un marginal et un solitaire, selon le mot de Pierre Boulez. Son œuvre, coupée de ses racines (ses pièces de jeunesse ont toutes disparu), se dresse comme un bloc erratique, loin du néoclassicisme qui dominait à son époque : elle est novatrice et radicale. Le compositeur a rêvé d’une musique autre : son catalogue, bref et intense, n’en est que la partie la plus audible. Varèse fut par ailleurs très actif à l’intérieur de la société américaine, où il s’engagea pour la défense de la musique contemporaine. Sa correspondance avec André Jolivet, qui fut l’un de ses rares élèves et son ami, constitue un document inestimable pour approcher son univers intellectuel et sensible et pour saisir le contexte dans lequel Jolivet forgea son propre langage musical, lequel devait influencer en profondeur des compositeurs comme Messiaen et Boulez à ses débuts. On saisit, dans ses propos souvent abrupts, la force de caractère d’un homme dont l’œuvre, en ouvrant des voies nouvelles, a aimanté l’avenir. L’édition de ces lettres, qui couvre la période 1931-1965, a été établie par Christine Jolivet-Erlih ; elle est complétée par une série de documents qui en éclairent la pensée.

Extraits et table des matière

Édition établie, annotée et présentée par Christine Jolivet-Erlih

Ouvrage publié avec l’aide de la SACEM

2002
Format : 22,2 × 28,7 cm
232 pages
Nombreuses illustrations
ISBN 978-2-940068-20-3
(2-940068-20-8)
24 € / CHF

Anton Webern

Le chemin vers la nouvelle musique et autres écrits

Collection: Classique
Papier
ISBN: 9782940068326
Épuisé
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599394

Édités par Philippe Albèra et Georges Starobinski
Traduits par Vincent Barras, André Carruzzo, Georges Starobinski et Brenno Boccadoro

Les conférences que Webern prononça en 1932 et 1933 à Vienne dans un appartement privé étaient destinées à un public non spécialisé à qui le compositeur voulait expliquer le chemin parcouru jusqu’à la musique de douze sons. Loin de présenter le sérialisme comme une rupture avec le passé, Webern s’attache au contraire à dégager ce qui, à travers lui, permet d’accomplir la plus haute tradition de la musique occidentale, depuis le chant grégorien et la polyphonie de la Renaissance jusqu’à l’époque moderne. S’il démontre comment la tonalité s’est progressivement désagrégée, il insiste sur la permanence des formes et des techniques d’écriture anciennes, et, par-dessus tout, souligne l’exigence de cohérence, nécessaire pour que les œuvres soient compréhensibles. En ce sens, ces conférences constituent une magnifique introduction à la musique du XXe siècle. Elles sont présentées ici dans une traduction nouvelle et complétées par tous les autres écrits de Webern, depuis l’introduction de sa thèse de doctorat sur Isaac jusqu’aux analyses de quelques-unes de ses œuvres, en passant par diverses considérations sur Schönberg et un bref hommage à Loos. Deux études critiques de Georges Starobinski et Philippe Albèra, coéditeurs des textes, complètent ce volume.

Édités par Philippe Albèra
et Georges Starobinski

Traduits par Vincent Barras,
André Carruzzo, Georges Starobinski
et Brenno Boccadoro

2008
Format : 14 × 22,2 cm
192 pages
Nombreux exemples musicaux
ISBN 978-2-940068-32-6
19 € / CHF

Hugo Wolf

Chroniques musicales (1884-1887)

Collection: Classique
Papier
23 CHF (23 €)
ISBN: 9782940068210
eBook
12 CHF (9.99 €)

Les critiques publiées par Hugo Wolf entre 1884 et 1887 sont des textes de combat : au nom de l’esthétique de Liszt et Wagner, dont les oeuvres sont élevées au pinacle, Wolf combat le classicisme brahmsien, mais aussi la médiocrité et la vanité des compositeurs, des interprètes et des critiques avec des mots d’une exceptionnelle dureté. « Celui qui combat pour la justice et la vérité et part en campagne contre le mensonge a tendance pour ainsi dire à s’échauffer. […] La vérité ne parle pas la langue de la courtoisie… » La critique esthétique, liée au débat de l’époque entre musique à programme et musique absolue, s’accompagne de nombreuses remarques éclairantes sur l’art du chant et se double d’une critique sociologique visant les institutions viennoises et leur public, en particulier celui de l’Opéra. Dans une langue imagée et emportée, pleine de poésie, d’humour et d’ironie, celui qui allait devenir l’un des plus grands compositeurs de lieder défend une très haute idée de l’art que l’on retrouvera peu après chez Schoenberg, avec les conséquences que l’on sait.

Chroniques choisies et présentées par Georges Starobinski
Traduction de Christian Guillermet
Avec la collaboration
de Mathilde Reichler
2004
Format : 14 × 22,2 cm
288 pages
Nombreuses illustrations
ISBN 978-2-940068-21-0
(2-940068-21-6)
23 € / CHF

Ivan Wyschnegradsky

La loi de la pansonorité

Collection: Classique
Parution: janvier 1996
Papier
ISBN: 9782940068098
Épuisé
eBook
7.99 CHF (7.99 €)
ISBN: 9782940599233

Né en 1893 à Saint-Pétersbourg, Ivan Wyschnegradsky n’a cessé de mener conjointement la composition musicale et l’élaboration d’une pensée théorique. C’est à partir du faisceau des questions véhiculées par la musique atonale que vont naître les positions de l’ultrachromatisme. Plus particulièrement, c’est dans les années 1910-1920, situées avant la systématisation sérielle de l’École de Vienne, que l’évolution du langage musical draine une sensibilité déterminante pour l’élaboration de l’idée de pansonorité. Dès 1913, Wyschnegradsky, alors âgé de vingt ans et déjà conquis par Scriabine, entreprend de formuler sa vision de l’univers et commence à développer ses premières théories musicales. Le projet de La loi de la pansonorité à proprement parler débute en 1924 et s’étendra par phases successives jusqu’à la version finale de 1953. Wyschnegradsky ouvre la théorie et la philosophie musicales à un concept d’espace entièrement nouveau. Il ne s’agit pas de l’espace physique, géométrique ou acoustique, mais d’une spatialisation de la matière sonore, d’un plan atomistique et spatial de la pensée du sonore qui préfigure l’idée de synthèse avant la lettre. Pensée hors cloisonnements, transgressant les compartimentages culturels hérités du xixe siècle, La loi de la pansonorité réalise, dans un élan de constructivité, l’étonnante rencontre d’un matérialisme de la pensée avec une théorie de l’intuition et de la création.

Texte édité par Pascale Criton
et Franck Jedrzejewski
Ouvrage publié avec l’aide
de la Belaïeff-Stiftung-Köln,
de la SACEM et de l’Association
Ivan Wyschnegradsky – Paris
1996
Format : 14 × 22,2 cm
336 pages
Nombreux exemples musicaux
ISBN 978-2-940068-09-8
(2-940068-09-7)

Maria Youdina Pierre Souvtchinsky

Maria Youdina - Pierre Souvtchinsky

Correspondance et documents (1959-1970)
Collection: Classique
Parution: mars 2020
Papier
28 CHF (28 €)
ISBN: 9782940068593

La correspondance entre la pianiste soviétique Maria Youdina et Pierre (Piotr) Souvtchinsky, émigré russe installé en Europe, est un document exceptionnel non seulement en raison de la personnalité des deux protagonistes et des idées qui sont échangées, mais aussi de l’éclairage apporté sur deux mondes séparés par un mur presque infranchissable. À travers elle, on perçoit les efforts de Maria Youdina pour développer la musique contemporaine en Russie, Souvtchinsky l’aidant en la conseillant et en lui envoyant livres et partitions. On mesure aussi toutes les difficultés auxquelles elle s’exposait, indifférente aux obstacles et aux brimades, sûre de pouvoir les surmonter par la « force de l’esprit ».

Cette correspondance est enrichie de très nombreuses lettres qui font intervenir des personnalités aussi diverses que Stravinsky, Boulez, Nono, Jolivet, Stockhausen (avec deux témoignages importants), Adorno, Prieberg, etc., ainsi que Pasternak, Bakhtine, Balanchine, Volkonski, Pärt, Denisov, etc. Elle comprend également des textes de Youdina et de Souvtchinsky et des témoignages de Marina Drozdova et de Mikhaïl Bakhtine.

L’appareil de notes, très fourni, livre toute une série de documents qui éclairent cet échange passionnant. Le style de Youdina, d’une qualité littéraire étonnante, suscite l’émotion et l’admiration. Une discographie complète de la pianiste clôt le volume. Enfin, deux disques complètent celui-ci, avec des enregistrements très rares, représentatifs de l’art de Youdina (Schumann: Kreisleriana,Webern: Variations op. 27 (2 versions), des enregistrements de Mozart, Bartók, Stravinsky, Jolivet et Volkonski et un document exceptionnel: la voix de Youdina commentant Les Tableaux d’une Exposition).

Jean-Pierre Collot est pianiste ; formé à Paris, membre durant de longues années de l’ensemble Recherche, il a enregistré plusieurs disques solos ; il a fait des études de russe à l’Institut des langues orientales à Paris.

 

Edité et traduit du russe et de l’allemand par Jean-Pierre Collot
Ouvrage publié avec le soutien du Centre National du Livre et de la fondation Prokhorov, Moscou

Sortie : Mars 2020
Format : 14 x 22.2 cm
808 pages + CD Audio
ISBN : 978-2-940068-59-3

 

Hans Zender

Essais sur la musique

Collection: Classique
Papier
22 CHF (22 €)
ISBN: 9782940068500
eBook
11 CHF (8.99 €)

Hans Zender, né en 1936, est l’une des figures les plus importantes de la culture allemande. Compositeur, chef d’orchestre, pédagogue et penseur, il est depuis les années 1960 aux avant-postes de la musique nouvelle, tout en poursuivant de façon inlassable un dialogue créatif avec le passé. Le choix d’essais que nous publions ici pour la première fois en français couvre quarante ans de réflexion sur la musique. Zender y interroge la musique actuelle comme celle du passé, les questions compositionnelles comme celles liées à l’interprétation. Sa pensée, d’un bout à l’autre, est traversée par des références multiples et par le souci des conditions mêmes de la musique dans la société actuelle. Hors des sentiers battus, Zender a fait le pari de ce que Bernd Alois Zimmermann appelait le pluralisme ; ainsi se penche-t-il sur des démarches apparemment antinomiques, comme celles de Mahler et de Cage, de Bruckner et de Scelsi, de Messiaen, d’Earle Brown et de Lachenmann. Ce qui les réunit, tout en englobant l’auteur lui-même, est une radicalité et une indépendance d’esprit qui se doublent d’une exigence spirituelle et d’un goût pour l’exploration de mondes sonores nouveaux. De même, Hans Zender a été profondément marqué par la pensée extrême-orientale, dont ses oeuvres portent des traces multiples. L’ensemble de ses essais, rassemblés ici par Pierre Michel et traduits par Martin Kaltenecker et par Maryse Staiber, portent un regard neuf et stimulant sur les musiques d’hier et d’aujourd’hui.

Texte édité par Pierre Michel
et Philippe Albèra
Traduction de Martin Kaltenecker
et Maryse Staiber
2016
Format : 14 × 22,2 cm
265 pages
ISBN 978-2-940068-50-0
22 € / CHF

Bernd Alois Zimmermann

Bernd Alois Zimmermann

Revue Contrechamps N°5
Collection: Revue
Parution: janvier 1985

La situation de Bernd Alois Zimmermann est paradoxale. On peut le considérer comme l’un des compositeurs les plus importants de l’après-guerre (c’est du moins notre point de vue), et pourtant, son œuvre reste très mal connue et trop rarement jouée en dehors de l’Allemagne. Certes, elle réclame souvent des effectifs considérables, des formations peu usuelles, et elle exige une virtuosité technique qui n’est pas destinée à « faire briller » l’interprète. Défendue en son temps par un groupe de musiciens engagés vis-à-vis d’elle — citons les frères Kontarsky, Siegfried Palm, Michael Gielen entre autres — elle est restée trop longtemps confinée à ce cercle restreint. En France, la réception de Zimmermann n’a pas été à la hauteur de son œuvre : le Requiem pour un jeune poète ou l’Action ecclésiastique Ich wandte mich… n’y ont toujours pas été jouées ; on attend que Les Soldats fassent leur entrée à l’Opéra de Paris (après leur création tardive à l’Opéra de Lyon en 1983) ; des œuvres aussi importantes que la Symphonie en un mouvement, Dialogues, Antiphonen, Photoptosis ou la Musique pour les Soupers du Roi Ubu ne sont pas entrées au répertoire des institutions symphoniques ; sans parler des nombreux concertos (pour violon, hautbois, trompette, violoncelle) que Zimmermann a écrits. Les textes mêmes du compositeur n’ont eu aucun écho en France, et l’on ne compte guère d’articles sur son œuvre ; il n’existe même aucun livre de caractère général sur lui (y compris en allemand).

Textes de Bernd Alois Zimmermann
Études de Philippe Albèra,
York Höller, Luca Lombardi,
Carl Dahlhaus, Christof Bitter,
Klaus Ebbeke et Laurence Helleu.

No 5, 1985
Format : 15,5 × 22,5 cm
152 pages

Bernd Alois Zimmermann

Écrits

Journal, critiques, essais, notes sur les œuvres, lettres
Collection: Classique
Papier
28 CHF (28 €)
ISBN: 9782940068371
eBook
12 CHF (9.99 €)
ISBN: 9782940599462

Édités par Philippe Albèra
Traduits sous la direction de Marc-Ariel Friedemann

La publication de la quasi-intégralité des textes de Bernd Alois Zimmermann (1918-1970) constitue le portrait intérieur d’un compositeur qui est une figure essentielle – une figure tragique – de l’histoire musicale récente. Le « Reich millénariste » lui « ayant volé sa jeunesse », il affronte, à travers son Journal et ses premiers textes critiques, un passé douloureux, et tente de tracer son propre chemin dans l’Allemagne délabrée et chaotique de l’après-guerre. Lié au mouvement de la jeune génération, Zimmermann garde pourtant avec elle ses distances, occupant dans le paysage contemporain une place singulière et solitaire. Dans les essais qui jalonnent tout son parcours créateur, il expose sa philosophie de la musique, fondée sur une conception du temps réunissant toutes les époques et ouvrant à un pluralisme stylistique contrôlé par une écriture extrêmement stricte, et il réfléchit aux liens qui unissent la musique aux autres arts, défendant l’intégrité et la liberté du travail compositionnel, au besoin en pratiquant « l’invective ».
En annexe, nous publions quelques lettres autour de l’affaire des Soldats, son œuvre majeure, exemple du théâtre total dont il avait défendu l’idée, et miroir sans concession de son époque.

Prix des Muses 2011

Pour son travail d’éditeur sur les Écrits de Bernd Alois Zimmermann, Philippe Albèra a obtenu le Prix de la Fondation Hans et Gertrud Zender Happy New Ears 2011.

2010
Format : 14 × 22,2 cm
344 pages
Nombreuses illustrations
ISBN 978-2-940068-37-1
28 € / CHF

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